La Escuela de Chicago y la Vanguardia Americana.

UNIVERSIDAD RICARDO PALMA
FACULTAD DE ARQUITECTURA Y URBANISMO
Mag. Arq. Walter A. León Távara.
HISTORIA Y TEORÍA DE LA ARQUITECTURA IV
LA ESCUELA DE CHICAGO Y LA VANGUARDIA AMERICANA
Lima - Perú

1. Escuela de Chicago es la denominación histórica de un estilo
arquitectónico que se desarrolló en la ciudad de Chicago a finales del
siglo XIX y comienzos del siglo XX, pionera en la introducción de
nuevos materiales y técnicas para la construcción de grandes edificios
comerciales y los primeros rascacielos.
2. A lado del rio Chicago el ejercito americano en 1804 funda el fuerte
Dearbon, destruido por los indios en 1812 y reconstruido inmediatamente
después.
3. Alrededor se establecen algunos pioneros que en 1830 se asientan en la
nueva forma de ciudad.
4. La ciudad se extiende a fines de siglo, 1900 millas cuadradas y 1,700,000
habitantes. En las primeras décadas la ciudad se construye en madera.
5. Chicago sufre de un incendio en 1871, que contaba con 300,000
habitantes. La reconstrucción se hace intensa entre 1880 y 1900, sobre el
lugar que ocupaba el antiguo pueblo, se alzó un moderno centro comercial
con edificios para oficinas, grandes almacenes, hoteles; se experimentan
nuevos sistemas de construcción.

1. En el siglo XIX el viejo sistema cuadriculado fue suficiente para el
desarrollo de la ciudad. Pero a inicios del siglo XX se plantea la necesidad
de un control urbanístico adecuado a la nueva escala de la ciudad; el
plano regulador de Burnham y Bennet, en 1909, constituye el primer
intento de ordenar, aunque con criterios formales.
2. Después del incendio, la primera generación compuesta por ingeneiros
militares durante la guerra de secesión: William Le Baron Jenney (1832-
1907), William Boyington (1818-1898), JM. Van Osdel (1811-1891). De la
segunda generación destacan Daniel Burnham (1846-1941), William
Holabird (1854-1923), Martín Roche (1855-)1927) y Louis Sullivan (1856-
1924), que se asocia a Dankmar Adler (1844-1900).
3. Le Baron construye el primer edificio alto con estructura metálica y 1893
el centro comercial de Chicago.
4. H. Richardson, Frank Lloyd Wright y Louis Sullivan, son atraídos por los
artistas de vanguardia en polémica con las tendencias dominantes de su
tiempo y su entorno, que miran hacia Europa.

1. Los edificios de Chicago son posibles de construir debido a nuevas
invenciones. Le Baron, permite aumentar la altura sin miedo a
tener que dar un grosor excesivo a los pilares de los pisos bajos,
así como vidrieras continuas iluminando con mayor expansión.
2. F. Baumann, propone en 1873, nuevos sistemas de cimentación
en piedra hasta el empleo del cemento en 1894.
3. El ascensor de seguridad a vapor, instalado por primera vez por E.
G. Otis en Nueva York en 1857, llega a Chicago en 1864.
4. En 1870, C.W. Baldwin inventa y construye en Chicago el primer
ascensor hidráulico, mientras que en 1887 empieza a difundirse el
uso del ascensor eléctrico.
5. Ascensor, teléfono y correo neumático permiten el funcionamiento
de hoteles, almacenes y oficinas de cualquier tamaño y número
de pisos. Así nace el por primera vez: el Rascacielos.

 En una cita de «Engineering News» de 1895, por F.A. Randall, Chicago, 1949, pág.
11, dice:
 «La construcción de edificios para oficinas de enorme
altura, con estructura de esqueleto en hierro y acero que
sustenta los muros internos y externos, ha llegado a ser
costumbre en casi todas las grandes ciudades americanas.
Este estilo de construcción ha nacido en Chicago, al menos
en su aplicación del tipo de esqueleto de acero que todas
las demás ciudades americanas juntas»

1. La arquitectura es eminentemente práctica y funcional.
2. Típico de las nuevas ciudades de Estados Unidos.
3. Aprovecha las ventajas de los nuevos materiales como:
 - Hierro-Acero-Hormigón
 - La construcción se inicia con el esqueleto de la obra.
 - Se construye en altura.
1. No le interesa los detalles decorativos y rechaza el
eclecticismo y el historicismo.
2. Es una arquitectura de líneas rectas, volúmenes gruesos y
sobrios, plenamente racionales.
3. Se plantea el refrán: «La forma sigue a la función».

HOME INSURANCE BUILDING
(Oficinas de seguros)

Home Insurance Building
1. Fue un edificio construido en 1885, en
Chicago, Illinois, USA y derribado en
1931, obra del arquitecto William Le
Baron Jenney.
2. Conocido como el primer edificio alto
con estructura de metal a prueba de
fuego, tanto dentro como fuera. Pero la
mayor parte de su estructura estaba
compuesta de hierro fundido y hierro
forjado.
3. Debido al singular marco de
levantamiento de peso y la arquitectura
única del edificio de Chicago, es
considerado el primer rascacielos del
mundo, sin embargo, nunca fue el
edificio más alto del mundo o Chicago.
4. El edificio Home Insurance es un ejemplo
de la Escuela de Chicago en la
arquitectura. El edificio llevó al futuro en
los rascacielos.

William Le Baron Jenney, junto con Louis Henry Soullivan, ambos integrantes de la Primera
Escuela de Chicago, es considerado como el "Padre de los rascacielos".
1. El estilo de la Escuela de Chicago, también conocido como "Estilo
Comercial", se basó en la creación de edificios que se levantaban
mediante estructuras metálicas que se revestían según la función
del edificio.
2. Las ventanas podían variar en dimensiones cuando se deseara y
se eliminaban en muchos casos los anchos muros de carga, que
limitaban notablemente el espacio, ya que hasta ese momento
para darle la resistencia necesaria a un edificio de gran
envergadura había que construir gruesos muros de mampostería.
3. Las superficies lisas y la ausencia de ornamentación en las
fachadas fue otra característica de este estilo.

1. A finales de los años 80 del siglo XIX se produce en Chicago una
auténtica revolución en cuanto a la construcción de edificios de
este tipo basados en el característico armazón de acero, tanto de
uso residencial como de oficinas.
2. La aparición de las "ventanas corridas", que ocuparán gran
parte de la fachada, darán paso a lo que se conocerá
posteriormente como "muro cortina", preludiando las "Cajas de
Vidrio" del siglo XX.
3. Las paredes de mampostería entre ventanas ya no forman parte
de la estructura del edificio, de modo que la construcción en acero
permite habilitar grandes vanos según se desee mejorando la
ventilación e iluminación natural en su interior.

MONADNOCK BUILDING
1. Edificio de 16 pisos, con muros
exteriores portantes de ladrillo,
los paramentos son lisos, sin
adorno. Las superficies se
cortan formando curva, con
efectos volumétricos.
2. Simplificación de revestimiento
exterior.
3. Sencillez aparente por las
curvas y las inclinaciones.
4. La crítica moderna la denominó
un «clásico».
5. Un triunfo de diseño unificado.
6. Una de las experiencias
estéticas más emocionante
arquitectura comercial de
Estados Unidos.

1. El Edificio Monadnock es un rascacielos
de South Loop de Chicago, Illinois. La
mitad norte del edificio fue diseñada por la
firma de Burnham & Root y construida en
1891.
2. En el más alto edificio comercial de
mampostería portante.
3. Sus escaleras decorativas representan el
primer uso de aluminio en la construcción
de edificios.
4. La mitad sur, construida en 1893, fue
diseñada por el Holabird & Roche y es
similar en color y en perfil a la original,
pero el diseño es más tradicional.
5. Cuando se completó, fue el edificio de
oficinas más grande del mundo.
6. Fue el catalizador como centro de negocios
nuevos en el extremo sur del Loop.

1. El edificio fue remodelado en
1938, sirvió como la forma en
que se realizaba el
mantenimiento de edificios y
detener la demolición de los
viejos rascacielos de Chicago.
2. El proyecto fue reconocido como
uno de los proyectos de
restauración más importantes del
país por el Fondo Nacional para
la Preservación Histórica en
1987.
3. Cuando se construyó, muchos
críticos llamaban al «edificio
extremo y carente de estilo».
Otros encontraron en su falta de
ornamentación, la prolongación
natural de su finalidad comercial
y una expresión de la vida
empresarial moderna.
Bosquejo de 1885 del diseño preliminar mostrando
un pequeño y más ornamentado edificio siendo
detallado el Estilo Egipcio.

El edificio de Tacoma es un rascacielos temprano en Chicago. Terminado en
1889, fue el primer edificio importante diseñado por el estudio de arquitectura
Holabird y Roche. El edificio de Tacoma fue demolido en 1929 para ser
reemplazado por One North LaSalle.

1. Un edificio pionero de la Escuela
de Chicago, utiliza un marco de
hierro y acero construido por
George A. Fuller con, por primera
vez, todos sus miembros fijan
entre sí por medio de remaches.
2. Si bien internamente siendo
apoyado por muros de carga, las
dos fachadas hacia LaSalle Street y
Madison Street son muros cortina
verdaderos.
3. Con esto, la estructura Holabird y
Roche fue más allá de la solución
de William LeBaron Jenney en
Home Insurance Building.

1. Holabird y Roche construyen en
1889 el Tacoma Buiilding, de doce
pisos, utilizando una estructura
mixta con algunos muros portantes
tanto internos como externos.
2. Primera torre absolutamente
soportada por una estructura de
hierro.
3. Holabird y Roche abandonan el
sistema de pilastras y órdenes
superpuestos por agrupaciones
horizontales de dos o tres pisos.
4. Las paredes se convierten en
tabiques que pueden manejarse a
voluntad para disponer las
habitaciones, iniciándose así el
concepto moderno de planta libre.

1. Puede considerarse el rascacielos más
bello de Chicago. Lo construyen
Burnhan y Root en 1890, con una
altura de 5 pisos.
2. Tras la muerte de Root, Burnham y el
ingeniero E.C. Shankland le añaden
otros 10 pisos.
3. El sótano y la primera planta fueron
diseñadas por John Root de la firma
Burnham and Root en 1890, y el resto
del edificio fue completado por Charles
B. Atwood en 1895.
4. Fue el primer rascacielos con grandes
ventanas de vidrio que componen la
mayoría de la fachada, presagiando
una característica que sería dominante
en el siglo XX.

El Reliance Building forma parte del
Distrito Comercial Histórico del
Loop, un conjunto de más de cien
edificios que reflejan el crecimiento
de las calles State y Wabash como
el centro comercial de Chicago.
El edificio se deterioró desde la
década de 1940, y fue restaurado a
finales de la década de 1990.
Desde 1999, el edificio contiene el
Hotel Burnham, con 122
habitaciones, y el Atwood Cafe.
No fue proyectado unitariamente,
sino que es el resultado de una
operación de «multiplicación».
El simple motivo de ventanas
corridas y las bandas decoradas se
repite sobre el zócalo.

ESCUELA DE CHICAGO
1. Cuna de la arquitectura funcional y racionalista.
2. No tiene los condicionantes espaciales y estéticos del viejo continente.
3. El Urbanismo puede ser planificado racionalmente: ciudades de nueva creación.
4. 1871: incendio destruye la ciudad mientras experimenta un auge económico y
comercial.
5. El incendio lleva a los arquitectos a abandonar la madera y optar por nuevos
materiales.
6. Gran demanda de oficinas, almacenes, viviendas, hoteles, etc.
7. Los arquitectos recurren a las técnicas de los puentes y estaciones.
8. La especulación del suelo edificable va a obligar a construir en altura.
9. Nacen los rascacielos.
10. Condicionantes que permiten la aparición del rascacielos: necesidad de aprovechar al
máximo los solares.
11. Descubrimiento del ascensor.
12. Utilización de armaduras metálicas permiten superponer muchos pisos.

1. Estudia en Paris entre 1860 y 1865. Trabaja en Boston para la sociedad
americana y comienza su actividad después de la guerra civil.
2. Henry Richardson (1838-1886) proyecta loa almacenes Marshall, para la
compañía Field & Company en 1887. Sullivan se impresiona a los 30 años
por este edificio e inicia su vocación artística.
3. Richardson se encuentra en Francia bajo la influencia neorománica, un
lenguaje donde se emplea los muros macizos de piedra no pulimentada,
pequeños vanos aislados o rítmicamente emparejados, ornamentación a
base de almohadillados y/o a base de contornos rehundidos enmarcando
puertas y ventanas.
4. La referencia a los modelos cultos medievales.

1. Henry Hobson Richardson (sept.
29, 1838-ab. 27, 1886) fue un
arquitecto americano prominente
que diseñó edificios en Albany,
Boston, Buffalo, Chicago,
Pittsburgh, Cincinnati, y otras
ciudades. Popularizó el Románico
Richardsonian.
2. Junto con Louis Sullivan y Frank
Lloyd Wright, Richardson es uno
de "la trinidad reconocido de la
arquitectura americana".
3. Richardson regresó a los EE.UU.
en 1865. El estilo era más
medieval inspirado, influenciado
por William Morris, John Ruskin y
otros.
4. Richardson desarrolló un lenguaje
único y muy personal, la
adaptación, en particular, el
románico del sur de Francia.
Iglesia Brattle Square, en Boston

1. La Corte del Condado de Allegheny,
en el centro de Pittsburgh,
Pennsylvania es parte de un
complejo (junto con la antigua
cárcel del condado de Allegheny)
diseñado por HH Richardson.
1. Los edificios son considerados uno
de los mejores ejemplos del estilo
neorromántico para los que
Richardson es bien conocida.
The Allegheny County Courthouse in Pittsburgh

La Biblioteca pública Thomas Crane

Biblioteca Howard aka Taylor Library, New Orleans (1886-1889)

1. La contribución de Norteamérica al modernismo se debe básicamente a
dos artistas: el arquitecto Louis Sullivan (1856-1924) y el decorador y
artista del vidrio Louis Comfort Tiffany (1848-1933).
2. Sullivan debe ser considerado como el padre de la arquitectura americana.
Por un lado, postuló la funcionalidad y claridad en las formas
constructivas; por el otro, utilizó una ornamentación basada en fluidas y
libres ondulaciones, muy próximas a las del Liberty europeo (dedicó sus
mayores esfuerzos al "sistema decorativo").
3. En los almacenes para Carson, Pirie, Scott and Company (1889-1904)
aparece una decoración tanto prolífica como recatada, unida siempre a lo
plano.
4. La teoría de Sullivan, según la cual la ornamentación debe crecer
orgánicamente desde la construcción misma y expresar la estructura, sólo
se cumple en la práctica en un sentido muy general.

1. Sullivan estudia en Paris entre 1874 y 1876, e ingresa en 1879 al
estudio D. Adler y en 1881 se convierte en su socio que durará
hasta 1895.
2. Adler es un hombre práctico que concibe un edificio como un
problema técnico y como una operación económica.
3. Las ambiciones de Sullivan se plasman en sus primeras obras
como Rotschild Building de 1881, con una decoración
desmesurada a base de fundición y piedra esculpida.
4. Sullivan gusta de la arquitectura espaciosa, sencilla y
perfectamente resuelta. Se entusiasma por la integridad.
5. Concilian el rigor funcional y estética cercana al modernismo.
6. Leitmotiv: “La forma sigue a la función”.
 Obras significativas:
 Auditorium Building de Chicago: rigor cúbico exterior pero rica
decoración interior.
 Almacenes Carson, Pirie & Scott: racionalismo hasta últimas
consecuencias.
 Wainwright Building, Guaranty Building: empuje ascensional y
verticalidad.

 " L. Sullivan (1856-1924) es una figura compleja, se siente atraído profundamente
por la búsqueda de "estilo" que le apasionó durante sus años de estudio en Europa y,
sin embargo, está convencido de la necesidad de una técnica moderna e innovadora.
En el Auditorium de Chicago analiza, profundiza y refina el tema de las grandes
arcadas de Richardson. Después afronta con decisión el tema de los grandes
rascacielos como protagonistas de las ciudades financieras. Hasta aquel momento el
rascacielos era prácticamente una superposición de pisos, un edificio normal
multiplicado por diez o veinte con la consiguiente ruptura de todas las relaciones
proporcionales. Sullivan desplaza la función portante de las paredes a las estructuras
internas; las caras del bloque se convierten en simples diafragmas transparentes a
los que la ornamentación modula y califica en la relación con la luz. El edificio se
convierte en un organismo unitario, en una figura urbana, y no rompe la continuidad
del espacio en el que está incluido. Sullivan es explícito; en los centros urbanos
americanos, los espacios interiores son también espacios de la ciudad: el ir y venir de
las gentes por las calles continúa en los amplios halls de los buildings, en el incesante
subir y bajar de los ascensores, en los pasillos y en las oficinas. El edificio no
interrumpe el movimiento de la ciudad, la arquitectura no detiene ni segrega la vida,
sino que la filtra e intensifica." (Argan, G.C.)
El Auditòrium fue en su tiempo y en América el edificio más complejo y más grandioso de todo el país.
Para poder financiar mejor una sala de conciertos y un teatro de ópera se envolvió la sala propiamente
dicha en un bloque de edificios cuya explotación permitía sufragar las necesidades financieras de aquél.

 El Auditorium Building es un edificio de la ciudad de Chicago (Estados Unidos). Fue proyectado por
los arquitectos Dankmar Adler y Louis Sullivan y su construcción se terminó en 1889, siendo hasta
1892 el más alto de la ciudad.
 El edificio se encuentra en la esquina noroeste de South Michigan Avenue y Congress Street
(actualmente Congress Parkway). Fue incluido en el National Register of Historic Places el 17 de abril
de 1970. y fue declarado Monumento Histórico Nacional en 1975.1 2
 Desde 1947, el Auditorium Building ha sido la sede de la Universidad Roosevelt. El Teatro de
Auditorio es parte de la Auditorium Building y se encuentra situado en East Congress Parkway
número 50. Fue la primera sede de la Chicago Civic Opera y de la Orquesta Sinfónica de Chicago. En
la actualidad acoge las actuaciones de la temporada del Joffrey Ballet.

Almacenes Carson, Pirie & Scott

1. El edificio Carson es un edificio
comercial construido en el centro
económico de Chicago y diseñado
por el arquitecto, perteneciente a la
Escuela de Chicago, en el año 1899.
2. Este edificio está declarado como
Monumento Histórico Nacional en
EEUU.
3. El edificio tiene una planta
rectangular y está construido con
una estructura basada en el acero,
recubierta esta con una fachada
telón a modo de cristaleras, con
vanos apaisados en la mayoría de la
fachada excepto en el remate curvo
de la esquina del edificio, que son
verticales.
4. En cuanto a la decoración y
ornamentación es básicamente nula,
ya que la máxima de este estilo era
que la belleza estaba en el mismo
edificio, pero sí tenemos que
destacar los relieves de la puerta de
entrada, con motivos vegetales que
recuerdan al Modernismo y al
Organicismo.

1. El Edificio Wainwright es un edificio
de oficinas de ladrillo rojo de 10
pisos en 709 Chestnut Street en el
centro de St. Louis, Missouri.
2. El Edificio Wainwright es uno de los
primeros rascacielos en el mundo.
3. Fue diseñado por Dankmar Adler y
Louis Sullivan en el estilo Palazzo y
construido entre 1890 y 1891.
4. El edificio, catalogado como un punto
de referencia tanto a nivel local
como nacional, se describe como "un
prototipo altamente influyente del
moderno edificio de oficinas" por el
Registro Nacional de Lugares
Históricos.
5. El arquitecto Frank Lloyd Wright
llama el Edificio Wainwright «la
primera expresión humana de un
edificio de oficinas de acero como
Arquitectura ".

1. Frank Lloyd Wright (1869-1959) ingresa a 18 años al estudio de
Adler & Sullivan en 1887, cuando proyectan el Auditorio de
Chicago y colabora hasta 1893.
2. Wright habla con respeto y afecto de Sullivan y Adler, aunque con
cierto distanciamiento. Coincide con Sullivan por crear una nueva
arquitectura, independiente de los estilos tradicionales y
comprometida con la vida moderna.
3. FLW, piensa que más allá de las determinaciones históricas
concretas, existe un orden natural, un aspecto genuino de la vida,
escondido y contaminado por las imposiciones y constricciones
exteriores.
4. Se considera a favor de una arquitectura libre, de cualquier
conformismo y de cualquier sistema normativo; el adjetivo
«orgánico» se aplica cualquier forma de organización donde se
tenga este principio, es decir a la sociedad y a la arquitectura.

Frank Lloyd Wright, dijo:
«Arquitectura orgánica, quiere decir más o menos, sociedad
orgánica. Una arquitectura que se inspire en este ideal no puede
reconocer las leyes impuestas en este ideal no puede reconocer las
leyes impuestas por el esteticismo o por el puro gusto, por lo mismo
que una sociedad orgánica debería rechazar imposiciones externas a
la vida y contradictorias con la naturaleza y carácter del hombre, que
ha encontrado su trabajo y el lugar donde poder ser feliz y útil, en
una forma de existencia adaptada a él».

Frank Lloyd Wright, dijo:
«Independencia de cualquier imposición externa, venga de donde
venga; independencia de cualquier clasicismo –viejo o nuevo- y de
cualquier devoción a los «clásicos»; independencia de cualquier
standart comercial o académico que «cuadre la vida» y encuentra
infinidad de términos para indicar lo que no quiere: el clasicismo, el
eje mayor y el menor, las 57 variedades, las cornisas, la cúpula, el
rascacielos, etc.»

1. La escuela de la pradera ó estilo de la pradera fue un estilo arquitectónico
entre finales del siglo XIX y principios del siglo XX, en Estados Unidos.
2. El estilo está generalmente marcado por líneas horizontales, planas o con
techos de cuatro aguas con amplios voladizos o aleros, ventanas agrupadas
en franjas horizontales, en integración con el paisaje, construcción sólida,
artesanía y disciplina en el uso de la ornamentación.
3. Las líneas horizontales se pensaron para evocar y relatar a los paisajes
nativos de la pradera.
4. El término "The Prairie School" el término fue acuñado por H. Allen Brooks,
uno de los historiadores de la arquitectura y uno de los primeros en escribir
extensamente sobre estos arquitectos y sus obras.

Ward Willits House; Highland Park, Illinois, 1901 one of the first Prairie Houses by Frank Lloyd Wright

The Darwin Martin House; Buffalo, NY built 1903-05 by Frank Lloyd Wright

Robie House; Chicago, Illinois 1908 by Frank Lloyd Wright

Larkin Administration Building; Buffalo, NY 1906 by Frank Lloyd Wright

Unity Temple es una iglesia Unitaria Universalista en Oak Park, Illinois, y el
hogar de la Unity Temple Congregación Unitaria Universalista.
Fue diseñado por el arquitecto estadounidense Frank Lloyd Wright, y
construido entre 1905 y 1908. Unity Temple es considerado como una de las
estructuras más importantes de Wright que data de la primera década del
siglo XX.

Debido a su consolidación de intención estética y estructura a través
del uso de un único material, el hormigón armado, Unity Temple es
considerado por muchos arquitectos para ser el primer edificio
moderno en el mundo. Esta idea ha sido de vital importancia para los
arquitectos modernos que siguieron Wright, como Mies Van Der
Rohe, e incluso los post-modernistas, como Frank Gehry.

Casa Robie (Oak Park, Chicago)

1. Exteriores
2. No tiene fachadas, no cuenta con muros exteriores o ventanas "normales", ni
tampoco con entrada principal. Ocupa prácticamente toda la parcela, el poco espacio
que queda libre se incorpora a la composición estratificada global mediante muretes
y jardineras de obra. La horizontalidad se ve reforzada por los alféizares, los dinteles
de las ventanas y los remates de piedra, así como también por la fábrica de delgados
ladrillos con juntas de mortero rehundidas.
3. Método compositivo
4. El método compositivo de Wright en aquella época consistía en organizar formas
simétricas agrupadas asimétricamente.
5. La base de la composición es un largo bloque de dos plantas, aparentemente
simétrico, con una cubierta de poca pendiente y unos atrevidísimos voladizos en
ambos extremos. En la planta primera de la fachada sur, la que da a la calle, hay una
serie continua de balconeras de una hoja que abren a un balcón en voladizo, como la
cubierta de un buque. El balcón arroja una profunda sombra sobre una serie similar
de ventanas de la planta baja.
6. La simetría es una ilusión, ya que la terraza elevada del extremo occidental de la
casa, situada sobre un semisótano, está equilibrada por el muro del patio de servicio
abierto en el extremo oriental. Pero es sólo un factor en una ecuación más compleja.
7. Encima del bloque principal, una segunda planta de dormitorios, también con
ventanas, balcones y cubierta inclinada, crea el eje transversal excéntrico que pone
en movimiento toda la composición. A un lado emerge una gran chimenea que ancla
todos los planos horizontales por debajo de ella. Más allá, en el extremo oriental del
edificio, otra cubierta inclinada cubre el ala dedicada a un garaje de 3 coches y al
personal de servicio.

1. Espacios
2. Wright rechazaba el criterio existente hasta entonces de los espacios interiores
cerrados y aislados entre sí. En contraste diseñó espacios en los que cada habitación
o sala se abría a las demás, por lo que obtenía gran transparencia visual, profusión
de luz y sensación de amplitud. Para diferenciar una zona de otra, recurría a
divisiones de material ligero o techos de altura diferente, evitando los cerramientos
sólidos innecesarios. Así Wright estableció por primera vez la diferencia entre
"espacios definidos" y "espacios cerrados".
3. El mérito principal de Wright en el diseño de esta casa es haber roto con la idea la
casa como una caja conteniendo habitaciones que eran otras cajas aisladas. Por el
contrario, el espacio interior es fluido y transparente, permitiendo el ingreso de luz
sin obstrucción de las vistas. Esta "explosión de la caja" permite un gentil retranqueo
de las masas que se despliegan a lo largo y ancho del terreno. La composición en
planta se basa en dos barras adyacentes que se mezclan en un volumen central,
presidido por el volumen de la chimenea, en torno a la cual los ambientes se
disponen e interconectan.
4. La volumetría aprovecha las amplias terrazas y aleros para lograr una morfología
maciza y contundente pero a la vez hueca y ligera. Este juego de grandes aleros y
terrazas sería utilizado por Wright en la Casa de la Cascada.
5. La casa se organiza en dos alas, manteniendo la zona pública hacia la calle y la zona
de servicios en la parte más interna.

Programa Arquitectónico
Frank Lloyd Wright:
1. Primero: Reducir al mínimo indispensable las paredes divisorias,
creando un ambiente en cuyos límites y distribución, el aire, la luz
y las vistas dieran al conjunto un sentido de unidad.
2. Segundo: Armonizar el edificio con el ambiente exterior,
extendiendo y acentuando los planos al suelo, pero dejando libre
la parte del lugar, para usarla en combinación con la vida de la
casa.
3. Tercero: Eliminar la concepción de las habitaciones y de la casa
como cajones y tratar, los muros como elementos de cerramiento,
de modo que formasen un único recinto espacial, manteniendo
sólo las subdivisiones menores.
4. Cuarto: Levantar el insano basamento completamente por sobre
el nivel del terreno, de modo que los cimientos se presentasen
como una baja plataforma de fábrica sobre la que se alzaba el
edificio.
5. Quinto: Dar a todos los vanos interiores y exteriores
proporciones lógicas y humanas, y situarlos con naturalidad,
aislados o en serie, según el esquema de todo el edificio.

1. Sexto: Incorporar combinaciones de materiales distintos
empleando, en la medida de lo posible, un único material; no
emplear ninguna ornamentación que no naciera de la propia
naturaleza de los materiales, y no contribuyera a dar al edificio
una más clara expresión de su función y, al concepto, un énfasis
revelador. Las líneas geométricas o rectas se adecuaban a la
maquinaria empleada entonces en la construcción, de ahí que los
interiores adquieren naturalmente esta característica.
2. Séptimo: Incorporar las instalaciones de calefacción, iluminación
y el sistema de tuberías de modo que formasen parte integrante
del edificio. Estos elementos de servicio llegaban a ser
arquitectónicos, enmarcándose en el ideal de una arquitectura
orgánica.
3. Octavo: Incorporar, siempre que fuera posible, el mobiliario como
arquitectura orgánica, haciendo que formará parte del edificio, y
proyectándolo a base de modelos sencillos para poderlos producir
mecánicamente. Una vez más, líneas, rectas y formas rectilíneas.
 Noveno: Prescindir del decorador, toda curva y eflorescencias,
cuando no toda «época».

1. Louis Comfort Tiffany (18 de febrero de 1848 - 17 de enero de
1933) fue un artista y diseñador industrial estadounidense muy
conocido por sus trabajos en vitral y es el artista de Estados
Unidos que más se asocia con el movimiento Art Nouveau.
2. Tiffany fue pintor, decorador de interiores, diseñador de ventanas
y lámparas en vitral, mosaicos de vidrio, vidrio soplado, cerámica,
joyería y trabajos en metal.
3. Louis Comfort Tiffany revolucionó el arte del vitral. Tiffany creó
esta ventana para la Exposición Colombina Mundial de 1893 en
Chicago.

Desde 1837, las obras maestras de Tiffany & Co. han definido
estilo y celebrado grandes historias de amor en el mundo.

ART NOVEAU
1. DENOMINACIÓN QUE RECIBIÓ EN FRANCIA EL MOVIMIENTO ARTÍSTICO DE
FINALES DEL SIGLO XIX Y PRINCIPIOS DEL XX QUE EN ESPAÑA SE DENOMINÓ
MODERNISMO.
2. ADJETIVO. DE ESTE MOVIMIENTO ARTÍSTICO O RELACIONADO CON ÉL.

INTRODUCCION
Maquina nueva en la Gran
Exposición de 1851.
Estilo gótico
flamígero tardía.
Fachada
occidental del
Pieza de bautismo
para Lord David
Cecil (1902)
Guild of
Handicrafts.

Habitación de los espejos
en el pabellón Amalienburg
del Castillo de
Mymphenburg en Munich.
Talla vikinga en madera Esmalte celta que
muestra las formas
curvas libres que
reaparecieron en el Art

1. En distintos países recibió diversas denominaciones: Art Nouveau –en Bélgica y
Francia–, Jugendstil –en Alemania y países nórdicos–, Sezession –en Austria–, Modern
Style –en los países anglosajones–, Nieuwe Kunst –en Países Bajos– y Liberty o
Floreale –en Italia–.
2. Todas estas denominaciones hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo,
joven, libre y moderno, que representara una ruptura con los estilos dominantes en la
época, tanto los de tradición academicista (el historicismo o el eclecticismo) como los
rupturistas (realismo o impresionismo).
3. En la estética nueva que se trató de crear predominaba la inspiración en la naturaleza a
la vez que se incorporaban novedades derivadas de la revolución industrial, como el
hierro y el cristal, superando la pobre estética de la arquitectura del hierro de mediados
del siglo XIX.

1. En gran medida estas aspiraciones se basaron en las ideas estéticas de John Ruskin y
William Morris, que proponían democratizar la belleza o socializar el arte, en el sentido
de que hasta los objetos más cotidianos tuvieran valor estético y fueran accesibles a
toda la población, aunque sin utilizar las nuevas técnicas de producción masiva que
impedían el desarrollo del buen hacer artesanal.
2. El modernismo no sólo se dio en las artes mayores (pintura, escultura y arquitectura),
sino también las artes menores, aplicadas o decorativas, en las artes gráficas y en el
diseño de mobiliario, rejería, joyería, cristalería, cerámica y azulejería, lámparas y todo
tipo de objetos útiles en la vida cotidiana, incluido el mobiliario urbano, que pasó a tener
gran importancia (kioscos, estaciones de metro, farolas, bancos, papeleras, urinarios).

Art Nouveau Illustration Art by Alphonse Maria Mucha

Las características que en general permiten reconocer al Art Nouveau son:
1. Inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural pero con
preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose
con el motivo central.
2. Uso de la línea curva y la asimetría; tanto en las plantas y alzados de los edificios como
en la decoración.
3. Tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos frecuente su representación
estrictamente realista.
4. Uso de imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento
generoso de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas (drapeado).
5. Actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, llegando hasta el
erotismo en algunos casos.
6. Libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de pura fantasía o con
inspiración en distintas culturas, como por ejemplo el uso de estampas japonesas.
7. El elemento destacado de tipo orgánico envuelve o se une con el elemento que decora.

Arquitectura
Detalle del Castel Beranger que
muestra la destreza de Guimard
en el empleo del metal.
Entrada del Castel
Beranger de Guimard.
La fachada de la casa
Solvay.

Interior de la mansión
construida por Gaudí para
Don Eusebio Güell.
Iglesia Santa Coloma de
Cervello, Gaudí.
La Casa Mila

Interiores de la casa Batló, Gaudí. Estación Karlsplatz de Vienna
Stadtbahn, Wagner.

Decoración de metal en la
entrada de los almacenes
Carson, Pierie & Scott.
Almacenes de Carson, Pierie &
Scott de Chicago, Sullivan.

Mobiliario
Mueble de bar, Galle. Repisa de chimenea,
realizado por Vallin.
Conjunto de mobiliario para una
estancia realizado por el diseñador
Georges Hoentschel.

Sillas diseñadas por Koloman Moser, del
movimiento de la Secesión de Viena.
Mueble y silla realizados por
Josef María Olbrich,

Vitrina de la que es autor Víctor
Horta, de su propia casa en
Bruselas

Trabajos en metal
Caja de galletas de plata, de
Alexander Knox.
Los balcones y columnas de hierro de formas
elaboradas de la fachada de la casa de Horta.

Juego de te, de Know, para
Liberty Con.
Juego de te diseñador por
Josef Hoffman en el estilo
típico vienes Wekstatte.

Juego de café, de Josej
Hoffman.
La sinuosa imagen
femenina del Art
Nouveau.

Joyería
Selección de joyería Art
Nouveau.
Trio que incluye un anillo
creador por Archibald Knox y
debajo un broche dorado y
pulido, de Lalique.

Cristal
Jarrón de Daum con relieve de
amapolas.
Galle aplica el marquetire de
verre a un jarrón transparente
tallado con lirios.
Ventana realizada por Jacques
Gruber.

Objetos de cristal iridiscente alrededor de
1902, creador por el famoso diseñador
austriaco Richard Bakalowits.
Ventana, obra de Georges de
Feure

Cerámica
Jarrón de cerámica de gres
de Joseph RipplRonai,
para Zsolnay de Hungría.
Jarrón de Sevres.

Víctor Horta (Gante, 6 de enero de 1861 — Bruselas, 8 de
septiembre de 1947 ) fue un arquitecto belga pionero del
Modernismo. Hijo de un zapatero, durante un breve periodo
estudió violín. Expulsado del Conservatorio por indisciplina,
durante 1864, con 15 años, se trasladó a la Academia de Bellas
Artes (Francia) en donde comenzó sus estudios como arquitecto,
inscribiéndose en la especialidad de Dibujo Arquitectónico.

La Casa Tassel pertenece al estilo Art Nouveau y fue construida
entre los años 1892 y 1893 por el arquitecto Víctor Horta en la rue
Paul Emile Janson 6, 1000, Bruselas, Bélgica, con la finalidad de
implementar un nuevo tipo de vivienda unifamiliar, utilizando
nuevos materiales, como el hierro, vidrio, piedra cerámica y
madera.
Esta obra es una de las primeras construcciones del arquitecto y la
primera síntesis mundial del modernismo en arquitectura, es decir,
fue la obra que rompió la disposición clásica de las habitaciones
en las residencias de Bruselas.

MOVIMIENTOS DE LAS
VANGUARDIAS ARTÍSTICAS
EUROPEAS

CUBISMO
Fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo
Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay y Juan Gris.
Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de
un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.

Juan Gris: Guitarra y mandolina, 1919, Galerie
Beyeler, Basilea.
Pablo Picasso, el iniciador del cubismo,
retratado por Juan Gris, 1912

Roger de La Fresnaye: Conquista del aire, 1913,
óleo sobre lienzo, Museo de Arte Moderno, Nueva
York.

Jean Dominique Antonio Metzinger nació en Nantes, el 24 junio de 1883. A partir de 1900 estudió en la Académie des
Beaux Arts de Nantes, en la tuvo como maestro a Hippolyte Touront, que le instruyó en el estilo académico, sin
embargo a Metzinger, estaba más interesado por las nuevas tendencias que en ese momento imperaban en el arte.

André Lhote
Nació en Burdeos, Francia, el 5 de julio de 1885.
Comenzó como escultor y tallando madera cuando contaba con solo doce años de edad.

Purismo
Purismo, en arte, es un término que se aplica a los estilos o movimientos estéticos o que
pretenden explícitamente o a los que se atribuye la intención de recuperar una supuesta
pureza (estética, cultural, moral, etc.) existente en épocas anteriores; o bien que tienden a
la depuración estilística, a un máximo posible de simplicidad, sin perder por ello la calidad
artística (por ejemplo usando en lo posible colores, líneas y formas puras, sin
rebuscamientos ni exceso de ornamentación, centrándose en lo esencial o estructural).

Pabellón de exposición l'esprit Nouveau – Le Corbusier

Neoplasticismo
El Neoplasticismo es una teoría estética1 o movimiento artístico iniciado en Holanda en 1917 por Piet
Mondrian. También ha sido denominado constructivismo holandés, por su paralelismo con el constructivismo
soviético. Está vinculado al nacimiento del arte abstracto y las demás vanguardias (especialmente al cubismo
y al futurismo).

Casa Rietveld Schroder - Gerrit Rietveld

Casa Schröder - Gerrit Thomas Rietveld

Futurismo
El futurismo es el movimiento inicial de las corrientes de vanguardia artística, fundado en Italia por Filippo Tommaso
Marinetti, quien redactó el Manifeste du Futurisme, publicado el 20 de febrero de 1909, en el diario Le Figaro de París.
Nosotros afirmamos que la magnificencia del mundo se ha enriquecido de una belleza nueva: la belleza de la velocidad.
Un automóvil de carreras, con su radiador adornado de gruesos tubos parecidos a serpientes de aliento explosivo... un
automóvil que ruge, que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia
Marinetti, febrero 1909.

Suprematismo
El suprematismo fue un movimiento artístico enfocado en formas geométricas fundamentales (en particular, el
cuadrado y el círculo), que se formó en Rusia en 1915-1916. Fue fundado por Kazimir Malévich. Surgió en Rusia
paralela al Constructivismo (alrededor de 1915). Se inició con las ideas del pintor Kasimir Malévich, quien promovía la
abstracción geométrica y el arte abstracto, en búsqueda de la supremacía de la nada y la representación del universo
sin objetos.
El Suprematismo rechazaba el arte convencional buscando la pura sensibilidad a través de la abstracción geométrica.

Círculo negro (Kasimir Malévich, 1915).

La representación de la arquitectura
como manifiesto.
Kasimir Malevich 1916

Constructivismo ruso
El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente
presente después de la Revolución de Octubre. El término construction art ("arte para construcción") fue utilizado por
primera vez de manera despectiva por Kasimir Malévich para describir el trabajo de Aleksandr Ródchenko en 1917.
Además del constructivismo ruso o soviético, que se vincula al suprematismo y al rayonismo o cubismo abstracto; se
habla también de un "constructivismo holandés": el neoplasticismo de Piet Mondrian, Theo van Doesburg y el grupo De
Stijl.

Club de trabajadores Zuev. 1926 y 1928

Dadaísmo
Dadá se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes
de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra la pureza de los conceptos abstractos
y contra lo universal en general. Propugna, en cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la
espontaneidad, lo inmediato, actual y aleatorio, la crónica contra la intemporalidad, la
contradicción, el no donde los demás dicen sí y el sí donde los demás dicen no; defiende el caos
contra el orden y la imperfección contra la perfección.

Marcel Duchamp, La Fuente, 1917.

Fauvismo
Entre 1904-1907, Henri Matisse, André Derain y Maurice Vlaminck desarrollaron un estilo de
pintura que les ganó de Les Fauves (Las Fieras).
Su aparente libertad de expresión, manifiesta en el uso de colores puros y en la exageración del
dibujo y la perspectiva, dejaba asombrados y perplejos a quienes veían estas obras por primera
vez. Fueron durante unos pocos años el grupo más experimental entre los pintores de Paris. Fue
el más efímero y el que menos se deja definir.

Expresionismo
Toda acción humana es expresiva; un gesto es una acción
intencionalmente expresiva. Todo es expresivo.
Pretende conmover mediante gestos plásticos que trasmiten y dan escape
a emociones y mensajes con una carga emocional. Ese arte es
expresionista.

Orfismo
El Orfismo o cubismo órfico es el nombre dado en 1913 por el poeta Guillaume Apollinaire
a la tendencia colorista y abstracta del cubismo parisino que exalta el color y la luz,
emparentándolos con Orfeo, el personaje de la mitología griega que, por su sobrehumano
manejo de la lira, representa la conjunción de la música y la poesía.
Apollinaire situó dentro del orfismo o cubismo órfico a las obras de Fernand Léger,
Francis Picabia, Marcel Duchamp y, sobre todo, de Robert Delaunay, que actuaba como
abanderado de esta tendencia.

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