Arte barroco

11/05/17 Pilar Morollón IES San Isidro 1Arte Barroco
Frescos de Il Gesú Roma

11/05/17 Pilar Morollón IES San Isidro 2
Arte Barroco
Concepto: Francesco Milizia 1797. Barocco (desigual).
Empleado despectivamente para las obras anticlásicas.
Cronológicamente: fin del siglo XVI hasta mediados del
siglo XVIII. Expansión: toda Europa, América y en el s. XVIII
en las colonias de Asia.
MARCO HISTÓRICO:
•Afirmación de los estados nacionales (Francia Luis XIV-XV
y XVI). Monarquía absoluta de derecho divino.
• Economía agraria a la que se une un comercio
internacional (mercantilismo) y una manufactura a gran
escala: Auge de la burguesía aunque se mantiene la
sociedad estamental.
• Tensiones políticas y religiosas : Reforma, contrarreforma.
• Arte como propagandista de la monarquía y de la iglesia.
• Dos barrocos: Católico y protestante.

Características generales
Frente al clasicismo renacentista, se
impone el anticlasicismo barroco:
• Desmesura / medida
• Confusión / claridad.
• Dinamismo / quietud.
• Formas abiertas / formas cerradas.
• Efectismo.
• Teatralidad.
• Contrastes violentos

ARQUITECTURA BARROCA : Características
• Esquemas complejos.
• Plantas elípticas, ovales, mixtilíneas.
• Superficies curvas, onduladas, quebradas. Sensación de
movimiento. Contrastes de luz y sombras.
• Columnas salomónicas.
• Frontones partidos, entablamentos curvos.
• Vanos ovalados.
• Volutas y aletas para unir pisos.
• Arcos elípticos, ovales, mixtilíneos.
• Orejetas y cartelas.
• Cúpulas ovales.
• En los interiores, espacio orientado al infinito: decoración
de bóvedas como espacios abiertos.
• Edificios: iglesia, palacio Real. Auge del urbanismo

Elementos
arquitectónicos

Barroco italiano

Bernini 1598-1680
• Nació en Nápoles hijo de un escultor. En 1606 se trasladan a
Roma, trabajando para el cardenal Borghese.
• Tuvo como mecenas al papa Urbano VIII que le encarga el
Baldaquino de San Pedro, el Palacio Barberini, y el sepulcro de
Paulo V. Su su sucesor el papa Inocencio X, prefirió a
Borromini, pero de nuevo Alejandro VII en 1655 le hizo un
encargo importante: la Columnata de San Pedro, la Cátedra, la
tumba de Alejandro VII y San Andrés del Quirinal.
• Como arquitecto trabajó a gran escala, con efectos
dramáticos y teatrales de luz, fusionó las tres artes en una
sola, utilizó materiales ricos: mármoles de color y dorados,
pero sus formas son más simples que las de Borromini.
Además de ser arquitecto fue pintor y escultor, escribió
poemas y fue autor de obras teatrales a las que dotaba de
escenografía y vestuario. Recibió numerosos encargos,
además del papado, de iglesias, cardenales y particulares.

Baldaquino de San
Pedro
•Cubre el altar situado sobre la
tumba del apóstol.
•Es un templete y palio de 4
columnas salomónicas que
convergen en entablamentos
unidas por una cornisa cóncava
con colgaduras que imitan los
palios textiles. De los vértices
arrancan cuatro volutas
convergentes, coronadas por un
pequeño entablamento
mixtilíneo.
•Dinamismo en la composición.
•Uso de orden gigante.
•Los elementos decorativos
desbordan lo constructivo:
Volutas de enorme tamaño,
frontones mixtilíneos que se
parten dotando de desequilibrio
a la composición.

Bernini: Plaza de San Pedro

Columnata de San Pedro.
Consta de 184 columnas y 88 pilastras de mármol
travertino, formando un corredor cubierto por un techado
ornamentado por cornisa, a cuyo largo se disponen 140
estatuas de santos realizadas por discípulos de Bernini.
espacio dedicado a ceremonias religiosas públicas, que
representa el abrazo de la iglesia al pueblo.

Bernini: Columnata de San Pedro.

San Andrés del
Quirinal 1658-1670
•Sede del noviciado
de los jesuitas.
• La planta es elíptica
y a ella se le añade el
pórtico curvo con
elementos reiterados
y estructuralmente
innecesarios: varios
frontones y
entablamentos.

Interior de
San Andrés
del Quirinal

Características como escultor
• Influenciado por Miguel Ángel.
• Utiliza el mármol como los clásicos. Pulimenta hasta
el extremo las superficies. Sus temas son mitológicos,
santos de la Contrarreforma, retratos, tumbas y
fuentes.
• Deseo de movimiento violento, explícito e inestable en
composiciones y expresión.
• Esquemas compositivos libres, sueltos, con
geometrías complejas (espirales, diagonales, aspas,
angulaciones)
• Ropajes agitados, anchos, hinchados, desordenados.
• Violentos claroscuros.
• Gestos dramáticos, enfáticos, histriónicos, teatrales.
• La escultura se proyecta hacia el espacio que la
rodea: situada dentro de un contexto arquitectónico

Apolo y Dafne
•El momento elegido es el final de la
persecución cuando, al abrazar el
dios a la ninfa, los brazos de esta se
hacen hojas y su cuerpo dura
corteza.
•Grupo escultórico tallado en
mármol.
•Dinamismo, movimiento explícito.
•Composición abierta. Líneas
diagonales, quebradas, rectas y
curvas.
•Expresión exagerada, gestos y
movimiento teatral.
•Representación de calidades y
texturas exactas. Claroscuro

Capilla de Cornaro

Éxtasis de Santa Teresa
•Escultura de bulto redondo, tallada en
mármol blanco y colocada en la parte
central del altar de la capilla de la familia
Cornaro en la iglesia de Santa María de
la Victoria en Roma.
•Santa Teresa en pleno arrebato místico:
un ángel traspasa su corazón con una
flecha de amor divino. Santa Teresa,
suspendida en el aire, se abandona a su
éxtasis y parece transformarse en un
cuerpo sin peso. El cuerpo, cubierto con
agitados pliegues del hábito, transmite
una sensación de intenso movimiento,
con excepción de manos y pies que caen
como suspendidos. El rostro, con los
ojos cerrados y la boca entreabierta,
refleja el estado interior por el que
atraviesa la santa ( síntesis de dolor y
gozo). El ángel está representado con
sonrisa de vida y alegría.
•Composición: Dinamismo a través de la
composición en aspa, por los ropajes y
por la aparente suspensión de los
cuerpos. Claroscuro de los ropajes que
subrayan la anatomía.
•La obra está concebida como un
conjunto escultórico-arquitectónico, no
aislada, y la luz natural también
contribuye a esa apariencia de
suspensión en el aire.

Éxtasis de Santa Teresa
•Escultura de bulto redondo, tallada en mármol blanco y
colocada en la parte central del altar de la capilla de la familia
Cornaro en la iglesia de Santa María de la Victoria en Roma.
•Santa Teresa en pleno arrebato místico: un ángel traspasa su
corazón con una flecha de amor divino. Santa Teresa,
suspendida en el aire, se abandona a su éxtasis y parece
transformarse en un cuerpo sin peso. El cuerpo, cubierto con
agitados pliegues del hábito, transmite una sensación de intenso
movimiento, con excepción de manos y pies que caen como
suspendidos. El rostro, con los ojos cerrados y la boca
entreabierta, refleja el estado interior por el que atraviesa la
santa ( síntesis de dolor y gozo). El ángel está representado
con sonrisa de vida y alegría.
•Composición: Dinamismo a través de la composición en aspa,
por los ropajes y por la aparente suspensión de los cuerpos.
Claroscuro de los ropajes que subrayan la anatomía.
•La obra está concebida como un conjunto escultórico-
arquitectónico, no aislada, y la luz natural también contribuye a
esa apariencia de suspensión en el aire.

David
•Estatua de tamaño
natural tallada en mármol.
•Representa a David en
el momento de lanzar la
piedra con una honda a
Goliat.
•Dinamismo, expresión,
teatralidad, cuerpo en
tensión, torsión.
•Composición abierta.
•Claroscuro

Fuente de los Cuatro Ríos
Plaza Navona. Roma
•Se compone de una base
formada de una gran piscina
elíptica, coronada en su
centro de una gran mole de
mármol, sobre la cual se
eleva el obelisco egipcio de
Domiciano.
•Las estatuas tienen unas
dimensiones gigantes y son
alegorías de los cuatro ríos
principales de Nilo, Ganges,
Danubio, Río de la Plata.

Nilo y Ganges

Bernini. Tumba de Alejandro VII
•Representa a
Alejandro VII,
arrodillado y
humilde, acosado
por la muerte que
que le muestra un
reloj de arena.
• Contiene cuatro
figuras alegóricas:
caridad, verdad,
prudencia y justicia

Bernini. Tumba de
Urbano VIII
• Enmarcada en un arco triunfal
de ricos mármoles, columnas
con basa ática y orden
compuesto, entablamento curvo
donde se sitúa el escudo papal
sustentado por dos ángeles, se
halla la estatua funeraria exenta
y sedente del Papa, realizada en
bronce, como un emperador,
coronado por la tiara y con gesto
arrogante, bendiciendo sobre su
tumba, con las alegorías de sus
virtudes: caridad y justicia a
ambos lados.
•La composición es piramidal.
En la parte inferior, del sepulcro
de pórfido oscuro, color del
surge la figura de la muerte que
escribe en la cartela la alegoría
de la Fama póstuma.

Bernini. Luis XIV

Borromini 1599-1667
•Procedía de una familia de canteros. En 1619 llegó a
Roma, donde trabajó como escultor monumental y
pasó a trabajar con Bernini, con el que realizó el
palacio Barberini.
•Después de independizarse de Bernini trabajó sólo
para órdenes religiosas pero a la subida al trono papal
de Inocencio X, le llamó y tuvo encargos del Papa
como la remodelación de San Juan de Letrán.
•Era melancólico, nervioso e intransigente, misántropo.
Riñó con muchos de sus clientes y amigos y renunció
por ello a muchos encargos.
•Antes de su muerte destruyó los planos de edificios no
realizados para que nadie pudiera copiar sus ideas. Se
suicidó en 1667.

Características
•Diseña desde las formas más sencillas a la complicación
absoluta para alcanzar el máximo movimiento.
•Trabajó a pequeña escala, en ladrillo y estuco, aunque a
veces utilizó mármol travertino.
•No empleó el color, el interior de sus iglesias están pintados
en blanco.
•Cuando introduce la escultura sólo lo hace para decorar.
• Utiliza la luz subrayar las formas y el espacio, no para crear
efectos dramáticos.
•Los efectos los consigue por medios estrictamente
arquitectónicos: sus espacios desembocan unos en otros, los
muros se curvan o se articulan en profundidad mediante
columnas y nichos. Emplea originales formas de arcos,
dislocándolos , a veces, en tres dimensiones, e inventa formas
fantásticas para sus cúpulas, campanarios y linternas.
•Su síntesis es el movimiento, sin que en él se interfiera el
color, la riqueza de materiales o el dramatismo.

Planta San Carlos

San Carlos
•Recibió el encargo en 1634. Fue realizada para la
orden de Trinitarios españoles.
•Es de pequeñas dimensiones.
•Hizo primero el monasterio y en 1638 empezó la
iglesia, terminando su estructura interior y
decoración en 1642, después se terminó el dinero y
la fachada quedó inconclusa, no se pudo poner la
escultura .
•La planta parte de una elipse y establece una
planta a base de segmentos de óvalos, unos
cóncavos y otros convexos que le confieren un
contorno sinuoso: complejidad y movimiento.

San
Carlos.
Exterior

Fachada de San
Carlos
•Constituida por dos pisos
y tres calles verticales.
•La parte baja de la calle
central es convexa y las
laterales cóncavas.
•En la parte alta las tres
son cóncavas:
dinamismo, nichos,
balaustrada, remate de
espejo sustentado con
ángeles. decoración de
hojas.
•Complejidad, claroscuro,
anticlasicismo

Interior
•Movimiento de sus muros, compuestos de tramos curvos y
rectos.
•Lo articulan columnas adosadas que constituyen los elementos
sustentantes
• Materiales pobres recubiertos de estuco blanco.
• La zona central está dividida por diversos nichos de distintos
tamaños. Los mayores contienen estatuas. Debajo de éstos
encontramos unas puertas que llevan a las capillas laterales, a la
escalera para subir al campanario y al monasterio.
• El entablamento da la vuelta a la iglesia sin interrupción, y sobre
él vemos un área compuesta por 4 bóvedas de cuarto de esfera
con casetones que cubren la capilla mayor y otras capillas. Entre
ellas hay cuatro amplias pechinas decoradas con paneles
ovalados.
•Cúpula oval con casetones de cruces y geométricos rematada
por linterna.
•Ausencia de decoración, excepto: capiteles, volutas invertidas
nichos con veneras, querubines, guirnaldas de hojas y cruces,
todo en estuco.

Borromini. San Carlos. Cubierta

San Carlos. Cúpula

San Ivo de la
Sapienzia
•Fue la capilla de la
Universidad de Roma y
San Ivo era el patrón de los
juristas.
•Planta semejante a la
estrella de David.
• Cubierta con cúpula
gallonada en forma de
estrella.
•Dinamismo y complejidad.
•Muros cóncavos y
convexos.
•Decoración estucada

Borromini. Cúpula San Ivo.

Arquitectura
cortesana francesa:
Versalles

Versalles
•Luis XIV construyó Versalles como una pequeña ciudad áulica.
Al comienzo era solo un palacete de caza al que se añadieron
dos alas laterales que conformaron la plaza de armas y trasladó
allí la corte.
•Fue construido por Luis le Veau.
• La Galería de los espejos, la capilla y el jardín fueron diseñados
por Mansard.
•La fachada que da al jardín está construida siguiendo el modelo
italiano: un primer piso de sillares almohadillados, un segundo
piso noble de doble altura con crujías retranqueadas jugando con
entrantes y salientes y alternando columnas y pilastras, un tercer
piso, rematado por una serie de figuras escultóricas (trofeos y
jarrones).
•El jardín de Versalles es clasicista, ordenado, racionalizado. Con
el paisajismo se obliga a la circulación. Crea una organización
que relaciona todas las esculturas y fuentes y ensalza la
monarquía.

Patio de Armas

Versalles. Exterior

Versalles. Salón de los Espejos

Pintura barroca
Pietro da Cortona. Triunfo de la
Providencia. Palacio Barberini. Roma

Características de la pintura barroca
•Naturalismo.
•Afán de movimiento conseguido por composiciones complejas
de grandes líneas diagonales, oblicuas y quebradas.
•Gusto por lo efectista: pinturas de aparatosos escenarios y
arquitecturas fingidas en bóvedas y paredes.
•Teatralidad en gestos y expresiones.
•Cuando se representa el espacio: perspectiva aérea.
•Luz que delimita las formas de un modo escultórico o efectista.
• Contrastes y claroscuros.
•Planos demasiado grandes. Las figuras desbordan el espacio
pictórico.
•Preferencia por las formas abiertas.
•Se pierde la idea de equilibrio y simetría clásicas. Siempre un
lado de la composición es más acentuado que el otro.
•Falta de claridad en la representación.

Temas de la pintura barroca
•Temas religiosos de los dogmas de la Contrarreforma
en las cortes católicas, tendentes a fijar los dogmas de
la contrarreforma. Escenas de la Biblia en las cortes
protestantes. Se representan como escenas de género.
•Escenas de género, y dentro de ellas escenas de
interior.
•Vanitas.
•Bodegones y naturalezas muertas.
•Temas mitológicos.
•Paisaje como tema autónomo, marinas.
•Retrato en las cortes reales, los nobles, y en el mundo
burgués. Se generaliza el retrato de cuerpo entero y
nace el retrato de grupo.

Temas barrocos
Vanitas
PaisajeVedute

bodegón
Naturaleza muerta
Escena de género

Pintura barroca italiana
Caravaggio. Judith y Holofernes

Italia
•A finales del siglo XVI aparece el barroco, el
naturalismo de Caravaggio, al que se contrapone el arte
académico e intelectual de los Carracci.
•Se crea una propaganda del dogma católico
contrarreformista: santos que se representan como
personajes populares con el fin de que el pueblo se
identifique con ellos y asuma la doctrina eclesiástica.
•La iglesia vuelve a ser, junto con las monarquías
absolutas y católicas, el gran cliente del arte, su
impulsor y también su dirigente.
•Se fija una iconografía que pervivirá durante mucho
tiempo: Inmaculadas, martirios y éxtasis de santos. Pero
también retratos, bodegones y paisajes,escenas de
género, mitológicos o alegóricos.

Caravaggio (1573-1610)
•Nace cerca de Milán. Llega a Roma en 1593. Allí empezó a
pintar bodegones, naturalezas muertas, escenas de género y
religiosas, que vendió en los mercados.
•Pronto fue descubierto por mecenas (cardenales y
aristócratas) para los que pintó durante los 13 años que
permaneció en Roma
• De personalidad extravagante y violenta, metido en peleas
callejeras en las que hirió a varios y mató a algunos, por lo cual
tuvo que huir de Roma en 1606, pasando a Nápoles, donde
permaneció algún tiempo, más tarde pasó a Malta, donde fue
nombrado caballero de la Orden de San Juan, pero hirió a un
juez y huyó de nuevo a Nápoles, donde cayó herido en una
nueva pelea
•Murió de malaria en 1610, cuando volvía a Roma, donde
había conseguido que se le perdonaran sus crímenes.

CARACTERÍSTICAS
•Creador del Naturalismo: representación de la realidad sin
obviar sus defectos. Modelos de ínfima clase social.
•Creador del Tenebrismo (profundo claroscuro): luz artificiosa.
Pintaba en un sótano: iluminación muy alta y única a fin de que
las paredes permanecieran en sombra. Los cuerpos son
alcanzados por poderosos rayos de luz que los resaltan
fuertemente sobre fondos totalmente oscuros.
•Trabaja sin bocetos, directamente en la tela.
•Evita la representación del espacio.
•Colores definidos con precisión.
•Composiciones complejas en base a la luz.
•Representación exacta de las calidades y texturas de la materia.
•Cuadros religiosos y mitológicos tratados como escenas de
género, en los que no faltan detalles anecdóticos perfectamente
descritos. También realiza escenas de género y bodegones.

Bodegón

Baco. Ufizzi
•Encargado por su mecenas el
cardenal del Monte como regalo
para Cosme II de Medici por su
boda
•Representa a un joven dios Baco
reclinado a la manera clásica con
uvas y hojas de parra en el pelo,
manoseando el cordel de la toga
que le cubre. Sobre una mesa de
piedra enfrente de él hay un
frutero y una jarra grande de
cristal con vino tinto; con su mano
izquierda ofrece al espectador un
cáliz o copa de vino llana y ancha,
aparentemente invitando al
espectador a unirse a él.
•Algunos autores interpretan esta
obra como alegórica-mitológica y
religiosa. En este cuadro, la
androginia del sujeto debe
entenderse como unión de los
contrarios y por lo tanto armonía,
propia de lo divino, mientras que
Baco, dios muerto y resucitado,
preanuncia simbólicamente la
venida y el sacrificio de Cristo,
que ofrece el cáliz de la
salvación, como Baco que aquí
ofrece el cáliz.

Joven

David y Goliat. Galería
Borghese. Roma
•David sostiene la cabeza de
Goliat, que es un autorretrato,
al modo de Miguel Ángel en el
Juicio Final.
•Los colores plata sucio,
negro y marrones dominan el
cuadro. La luz hace que David
parezca un muchacho de las
calles, con una espada que
tiene sólo una gota de sangre
para demostrar que, al igual
que Caravaggio, sabe lo que
significa haber matado a un
hombre. Otra gota de sangre
en medio de la frente del
gigante confirma que fue
derribado por una piedra. En
la espada aparece una
inscripción abreviada: H-AS
OS, en latín: Humilitas occidit
superbiam ("La humildad
mata al orgullo").

Vocación de San Mateo

VOCACIÓN DE SAN MATEO. San Luis de los franceses. Roma
•Tema: momento en que Cristo llama a San Mateo, en una
oficina de cambio, a seguirlo. Por la derecha entra Cristo con
San Pedro, y con su mano extendida señala a Mateo.
•Es un tema religiosos pero representado como una escena de
género.
•Su realismo es teatralizado por el gran valor de los gestos del
rostro y de las manos y por la utilización artificiosa de la luz.
Composición estática en horizontal, con pocos personajes y
fondo neutro.
•La luz la que define la composición: la escena está iluminada
por dos focos exteriores, de modo que aparecen iluminadas
algunas partes y el resto queda en penumbra. Se establece
con ello agudos contrastes entre luces y sombras.
•El papel de la luz es doble: consigue resaltar las figuras que
más interesan y ayuda a dramatizar el contenido del cuadro.

Muerte de la Virgen Louvre
•Las figuras casi tienen tamaño
real.
•El centro de atención del
cuadro es la figura de la Virgen.
Tomó como modelo el cadáver
de una prostituta muerta
ahogada. Alrededor de la
Virgen se encuentran María
Magdalena y los apóstoles, que
dan muestras de dolor.
•La escena transcurre en un
ambiente humilde.
• Los colores son muy oscuros,
con los únicos toques
luminosos del rojo de la ropa
de la muerta y un gran telón
rojo que pende por la parte
superior del lienzo.

Conversión de San Pablo.
Iglesia de Santa María del
Popolo. Roma
•Luz irreal y masiva que ilumina
de lleno a Saulo, pero no al
criado.
•La composición está
dominada por la mole inmensa
del caballo que parece venirse
encima del caído, que implora
con los brazos abiertos.
•Los ojos de San Pablo están
cerrados, pero su rostro no
expresa temor sino que parece
estar absorto en el éxtasis.
• Siguiendo estas claves,
Caravaggio nos desvela la
presencia de la divinidad en
una escena que podría ser
completamente cotidiana.

Caravaggio. Peregrinos de Emaús

LOS CARRACCI
•Ludovico Carracci (1555-1619) crea un estilo ecléctico, que
impondrá, junto a sus dos hermanos Anibale (1560-1609) y
Agostino (1557-1602), en Italia y en el extranjero.
• Fundaron La Academia en 1585 (centro que sirve de modelo a
las Escuelas de Bellas Artes), con lo que reemplazan el viejo
sistema de aprendizaje a través de un taller. En la Academia se
enseñan técnicas pictóricas, disciplinas teóricas y clases de
anatomía. Se premia a los alumnos más aventajados.
•Eclecticismo se inspiración en Rafael, Miguel Ángel y los
Venecianos. Volvieron a la práctica tradicional del dibujo previo.
Clasicismo: Formas idealizadas. Organización compositiva.
Perspectiva lineal y representación del espacio. Predominio de la
línea. Colores brillantes.
•Pintan al fresco varios palacios en Bolonia y marchan a Roma
llamados por el cardenal Farnesio.

Carracci. Palacio
Farnesio. 1600
•La estancia servía para
recepciones y albergar la
colección de estatuas
clásicas.
•El tema es mitológico: a
través de él se ilustra la
fuerza del amor.
•Cuerpos modelados con
claridad escultórica y formas
de Miguel Ángel, además del
estudio del natural y de las
esculturas antiguas.
•Colores intensos y
luminosos.
• Ilusionismo arquitectónico
que compartimenta el
espacio.

Carracci. Triunfo de Baco

Pintura barroca flamenca católica
Rapto de Proserpina. Rubens s. XVII

Rubens 1577-1639
•Pasó su niñez en Colonia y recibió su primera
formación artística en Amberes.
• Ya maestro, marcha a Italia, donde permaneció 8 años
(1600-1608) al servicio del duque de Mantua.
• De vuelta a Amberes, fue nombrado pintor de los
archiduques que le encomendaron incluso cuestiones
diplomáticas, con las que viajó a España influyendo en
Velázquez.
•Hombre equilibrado, positivo, optimista, de extensa
cultura y carácter agradable, con una increíble vitalidad
que le hacía atender al mismo tiempo cuestiones muy
dispares. Como pintor triunfó en Europa y sus obras
fueron solicitadas por las principales cortes de su
tiempo.

Características
•Influencias: formación flamenca. Influencia italiana:
clasicismo, naturalismo de Caravaggio, concepción
heroica de la figura humana. Su aportación personal:
sensualidad.
•Facultad para la composición trabando el movimiento
de los personajes en líneas de fuerza diagonales que
recorren los cuadros.
•Sentido exultante (luminosos y brillante) del color y de
la luz.
•Exuberancia formal.
•Pincelada larga, toques sueltos cargados de pasta.
•Pintó todos los géneros: retratos oficiales (teatrales) y
privados (de gusto burgués); pintura religiosa; historias;
mitologías; alegorías; paisajes; bodegones...

Rubens. Descendimiento. Catedral de
Amberes

Descendimiento
TEMA religioso tratado con grandilocuencia y teatralidad.
COMPOSICIÓN: Rompe cualquier tipo de equilibrio. Desborda la
escena más allá del espacio pictórico.
Composición en diagonal, predominio de las curvas y
contracurvas, superposición de planos empleando recursos
efectistas (pies cortados de María Magdalena y María Salomé,
escorzos violentos).
Búsqueda de efectos teatrales (posturas forzadas, gestos).
LUZ: afianza la diagonal. No hay iluminación uniforme: masas de
luz y de sombras.
COLOR: unas veces es más intenso que otras contribuye a dar
sensación de movimiento. Una amplia zona oscura ocupa el
fondo del cuadro y la mayoría de las figuras que rodean a Cristo.
En ella sobresale una rica gama de colores fríos iluminados
solamente parcialmente. Otra zona iluminada donde predomina el
violento contraste cromático: los colores cálidos ocupan el centro

Rubens. Tres Gracias.
Museo del Prado
•Rubens guardó en su
propia casa este cuadro.
• Se detiene con deleite
en la descripción de la
piel transparente de las
Gracias, en las flores, en
los cortinajes que les
sirven de dosel, y en el
armonioso paisaje.
• Las Gracias tiene la
belleza opulenta típica
de Rubens. Sus siluetas
enlazadas se recortan
con un ritmo sinuoso de
curvas y contracurvas.
•Escena luminosa,
alegre y muy sensual.

Rubens. El jardín del amor. Museo del Prado

EL JARDÍN DEL AMOR (1633)
•En su época se vio en él a la propia familia de Rubens.
• Felipe IV lo tuvo en su alcoba, posiblemente se trate
de una alegoría del amor conyugal.
•La escena se desarrolla en un jardín junto al pórtico de
su propia casa en Amberes. A la derecha, una fuente
representa a Juno, diosa protectora del matrimonio.
Algunos cupidos vuelan como símbolos amorosos
(flechas, flores del placer, palomas de la fecundidad,
yugo del matrimonio).
•El grupo central puede ser un homenaje a su segunda
esposa Helena Fourment cuyos rasgos aparecen en
todas sus figuras femeninas.
•Pincelada suelta, atmósfera dorada que unifica el
colorido (influencia de Tiziano), gran sensualidad.

Rubens. Duque de Lerma.
Museo del Prado.
•Realizado en la primera estancia
de Rubens en Madrid enviado por
el duque de Mantua para dar
regalos a Felipe III.
• Lerma (valido de Felipe III) sintió
gran admiración por él y quiso ser
retratado.
• El cuadro supone una innovación
al romper el esquema tradicional
del caballo de perfil y situándolo en
posición de avance hacia el
espectador.
• La ejecución refinada, preciosista
en la representación de la
armadura y vestido del Duque es
todavía un rasgo manierista en
este cuadro de concepción ya
barroca.

Barroco protestante

•La Iglesia protestante prohibía el arte de orientación
católica, pero sin dirigir el arte.
•Se concedió al artista mayor libertad pero las historias
bíblicas no son muy representadas.
• Se prefiere representar la vida real y cotidiana, el
cuadro de costumbres, el retrato, el paisaje, el bodegón,
el cuadro de interior y la arquitectura.
•Naturalismo sencillo y con representaciones objetivas.
•Pequeños formatos burgueses frente a los grandes
formatos de las monarquías europeas.
•Los clientes del arte son burgueses y funcionarios y
asociaciones de los municipios (corporaciones de
hospicios, hospitales, médicos etc.)
Barroco protestante: características

REMBRANDT (1606-1669).
•Nació en Leiden de familia burguesa. Allí abrió
su primer taller.
•En 1631 se trasladó a Amsterdam donde fue un
afamado pintor de retratos y llevó una vida
burguesa hasta la muerte de su esposa.
• Después su vida fue en declive viviendo por
encima de sus posibilidades llegando a la ruina
económica.
•Sobrevivió a su segunda esposa y a sus dos
hijos, y viejo y arruinado, a su muerte fue
enterrado en una tumba sin nombre.

Características
• Composiciones en diagonal, espiral, curvas y
contracurvas.
• Estudio de luces y sombras. Claroscuro ambiental
intimista. Luces doradas.
• Realismo.
• Color de tonalidades doradas.
• Pincelada muy suelta: llega a la desintegración de la
forma mediante el tratamiento de la pasta pictórica.
• No representa el espacio.
• Temas: Históricos, mitológicos, religiosos, paisaje,
naturaleza muerta, retratos, de género: todos tratados
de una manera íntima y personal del hombre de la
Reforma. Grabados

Rembrandt. Autorretratos. 22 años y el año
de su muerte

Lección de Anatomía del doctor Tulp

Lección de Anatomía 1632
•Primer retrato en grupo realizado por Rembrandt.
•Encargado por el gremio de cirujanos para conmemorar una
lección pública que impartió el doctor Tulp, ante el cadáver de un
ajusticiado.
•Cada retratado mantiene una posición y una expresión distinta,
concentrándose la luz en aquellos rostros o zonas del cuerpo que
el artista quiere resaltar.
• El contraste entre las zonas iluminadas y las penumbras
aumenta con el traje negro característico de la época y un
tratamiento vaporoso de ciertas texturas gracias a una suave
pincelada.
•La fuerza del cuadro se concentra en la diagonal formada por los
cuatro personajes que se sitúan en dirección hacia las pinzas del
doctor .
•Para evitar distraer la atención del espectador, el fondo es neutro
y no tiene apenas definición. La lección fue pública y la lista de los
alumnos está consignada en el papel que sujeta uno de ellos.

Ronda de Noche 1642

Líneas de composición

RONDA DE NOCHE
•Retrato colectivo de la corporación de arcabuceros
•Capta al grupo a la salida de una callejuela, en el momento en
que éste inicia su marcha, y subordina la condición individual de
los personajes a la dinámica del momento: composición muy viva
en la que cada figura en movimiento está situada en un plano de
luz diferente y en una actitud diversa. Al grupo se unen elementos
que nada tienen que ver con el grupo: una niña intensamente
iluminada, un enano, un perro.
•Gracias a la luz y a las actitudes, se resaltan algunos personajes
y tapa a otros, por lo que los que encargaron el cuadro no
estuvieron de acuerdo con el modo de ser representados.
•La ronda en realidad no es nocturna, la oscuridad se debe a la
suciedad de varias capas de barniz.
•Utilización de la luz como máximo recurso expresivo, y crea la
composición, confirma volúmenes, transforma el color y disuelve
los contornos.

Rembrandt. Sacrificio de
Isaac. Museo del Hermitage.
San Petesburgo 1635
• Se reconocen al menos 300
pinturas suyas y cientos de
grabados. A lo largo de su
carrera, pintó retratos, paisajes,
pintura religiosa, mitológica, de
género. Su pintura religiosa fue
ensalzada por sus
contemporáneos, que le
consideraban un maestro en la
interpretación de pasajes
bíblicos por su profundidad
emocional y su cuidado de los
detalles.

Betsabé con la carta del rey David. Louvre

PINTURA BARROCA FRANCESA.
• Naturalismo: Georges La Tour
– Magadalena.
– San José y Cristo niño.
• Academicismo: Poussin
– Muerte de Germánico.
– Rapto de las Sabinas.
• Paisajista: Claudio de Lorena.

Georges La Tour (1593-1652)
•Tenebrista influenciado por Caravaggio.
•En sus cuadros el origen de la luz es concreto:
una vela, una bujía, una antorcha u otra forma de
luz artificial, mientras que en las obras de
Caravaggio, la luz provenía de un foco de origen
impreciso.
•Trata temas religiosos, escenas de género y de
devoción, todos ellos con el mismo estilo.
•Su composición es equilibrada y rigurosa, casi
geométrica.

La iluminación proviene de
una vela e ilumina con luz
blanca las figuras. El resto
del cuadro queda en la
oscuridad, sin que
aparezcan paisajes o
arquitecturas.
Utiliza una paleta
prácticamente monocroma:
rojo y negro en las escenas
nocturnas, blanco y morado
en las diurnas.
Georges La Tour. San José y
Cristo niño. Louvre

Georges La
Tour. Magdalena
Wrightsman.
Nueva York

Nicolás Poussin (1594 – 1665)
•Pintor y dibujante, cuya vida transcurrió casi
íntegramente en Roma donde llegó en 1624. Su
gran influencia será Rafael y Tiziano. Sus
mecenas fueron el Cardenal Francesco
Barberini, sobrino del Pontífice, y Cassiano dal
Pozzo, un acaudalado intelectual.
•Poussin fue el fundador y gran practicante de la
pintura clásica francesa del si9glo XVII. Su obra
simboliza las virtudes de la claridad, la lógica y el
orden.

Poussin. Muerte de Germánico. Instituto de Arte de
Mineápolis

Muerte de Germánico
• Narra la muerte de Germánico envenenado en
Siria donde fue enviado por Tiberio, su padre
adoptivo.
•Composición compleja por el número de personajes
implicado y el dramatismo de la escena. Germánico,
agonizante, señala con el índice de su mano
derecha a su mujer, Agripina, y a sus hijos, a
quienes pone bajo la protección de sus amigos.
•Colorido brillante de influencia veneciana.
Superposición de las figuras. Tono grandioso,
belleza subordinada a los temas más profundos,
como la amistad, la justicia, la muerte.

Poussin. Rapto de las Sabinas. Museo Metropolitano
Nueva York

Rapto de las Sabinas
•Tema mítico. Rómulo, debido a la falta de mujeres,
invita a los sabinos, sus vecinos, a una fiesta en la
ciudad. A su señal, cada romano se hace con una
sabina, eliminando cualquier resistencia posible de los
hombres. Éste es el momento que recrea Poussin, con
el rey haciendo la señal, con un cortejo de dos
senadores, a la izquierda en alto, frente al templo de
Júpiter Máximo.
•La escena es de una gran agitación pero los gestos se
subordinan al mensaje.
•Este efecto se ve reforzado por una exagerada
perspectiva, con tres puntos de convergencia hacia los
que se dirige la vista. Es un ejercicio complicado de
matemática, con el que Poussin busca someter una
escena de violentas pasiones a un orden intelectual.

Claudio de Lorena 1600-1682
•Paisajista francés afincado en Roma. Trabajó
también para Felipe IV con historias sagradas
para el palacio del Buen Retiro.
•Es clasicista. Utiliza la luz directa y natural,
proveniente del sol, que sitúa en medio de la
escena, en amaneceres o atardeceres.
• Refleja las distintas horas del día a través de
las sutiles matizaciones del colorido sobre todo
en marinas.
•En los paisajes en el campo emplea una luz
más difusa, lateral, que ilumina con más
suavidad.

Claudio de Lorena. Puerto de emabarque con la reina de Saba.
National Galery. Londres

Claudio de
Lorena. Paisaje
con Apolo.
Galería Doria
Roma

Arte barroco español: Arquitectura

Arquitectura barroca española
Marco Histórico
•S- XVII: reinado de Felipe III, Felipe IV y
Carlos II. Crisis económica, política y social.
Contrarreforma. Religiosidad. Corte e iglesia
clientes del arte.
•S. XVIII: cambio de dinastía: Borbones.
Ilustración. Racionalidad. Mejora en las
condiciones económicas y sociales. Felipe V.
Carlos III. Corte y nobleza clientes del arte.

Arquitectura barroca española s. XVII: Características
•Obras de escaso presupuesto. Edificios religiosos por la
proliferación de órdenes religiosas.
•Pobreza de materiales y escasa calidad estética .
•Se siguen las pautas clasicistas de Herrera.
• Las bóvedas, son de ladrillo, mampostería o tapial. Para
dignificarlas se las reviste con yeserías de gran efecto. Cúpulas
ENCAMONADAS
•La piedra solo se utiliza en las fachadas.
• Plantas de las iglesias sin movimiento: tipo de cruz latina con
cúpula en el crucero. Nave única y capillas entre los contrafuertes.
En las fachadas esquema rectangular rematada en frontón
triangular, sin apenas elementos ornamentales.
• Edificios civiles con plantas rectangulares en torno a un patio
interior, torres flanqueando las fachadas, rematadas por chapiteles
de pizarra.

Colegiata San
Isidro
•Iglesia del antiguo Colegio
Imperial, construida entre 1622
y 1664 por los arquitectos
jesuitas Pedro Sánchez y
Francisco Bautista con los
bienes dejados por la
Emperatriz María de Austria a
la Compañía de Jesús tras su
fallecimiento en 1603.
•Tras la expulsión de los
jesuitas en 1767 la iglesia se
transformó en colegiata,
cambiando su advocación a
San Isidro por albergar los
restos del Santo y su esposa,
Santa María de la Cabeza.
•fachada monumental, labrada
en granito. Compuesta por un
cuerpo central de cuatro
columnas corintias, flanqueado
por dos pilastras del mismo
orden a cada lado. Sobre este
cuerpo, se levantan dos torres
de planta cuadrada que no se
llegaron a terminar.

Colegiata de San Isidro
•Iglesia del antiguo Colegio Imperial, construida entre 1622 y 1664
por los arquitectos jesuitas Pedro Sánchez y Francisco Bautista.
•El acontecimiento clave para la construcción de la actual iglesia, y
del vecino Colegio Imperial, fue la enorme fortuna que la
Emperatriz María de Austria dejó a la Compañía de Jesús tras su
fallecimiento en 1603, con el propósito de que reconstruyeran de
nueva planta todo el complejo.
•Tras la expulsión de los jesuitas en 1767 la iglesia se transformó
en colegiata, cambiando su advocación a San Isidro, y pasando a
albergar desde ese momento los restos del Santo Patrón
madrileño y su esposa, Santa María de la Cabeza.
•En la iglesia se siguió el modelo adoptado en la iglesia del Gesú
de Roma: planta de cruz latina de una sola nave, con capillas
laterales, crucero y cúpula.
•En el exterior destaca su fachada monumental, labrada en granito
y compuesta por un cuerpo central de cuatro columnas corintias,
flanqueado por dos pilastras del mismo orden a cada lado. Sobre
este cuerpo, se levantan dos torres de planta cuadrada que no se
llegaron a terminar.

Interior San
Isidro
Se siguió el modelo
adoptado en la iglesia
del Gesú de Roma:
planta de cruz latina de
una sola nave, con
capillas laterales,
crucero y cúpula.
Materiales pobres
enmascarados con
pinturas y dorados.
Cúpula encamonada

IES San Isidro

Claustro San Isidro
•Su construcción data del 1679, en tiempos de Carlos II. Fue obra de
Melchor de Bueras.
• Patio cuadrado, con veinte arcos en la parte inferior y veinte
grandes balcones en la parte superior. Los arcos están formados por
pilastras y en la clave de los arcos están labradas unas águilas
bicéfalas con un medallón en el que originariamente estaba el
anagrama de "JHS".
•En la parte superior del claustro, los balcones están rodeados por
un sistema rítmico de molduras y cuentan con una pequeña cornisa
cada uno. En esta parte también utiliza las pilastras para la
separación entre balcones. La cornisa del patio se compone de un
gran número de molduras que la sujetan.
•Da sensación de robustez y firmeza, y sobriedad donde
predominan las líneas rectas sobre las curvas, características
propias del estilo herreriano. Está cubierto por bóvedas de arista.
•La capilla se rehace en 1604 sobre un edificio del XVI. El retablo se
termino en 1615 y fue realizado por el maestro escultor granadino
Antón de Morales. En 1725 se construye la actual bóveda por
Francisco Camuñas. Este construirá la actual bóveda encamonada.

Frescos de la capilla San Isidro

Convento de La Encarnación

Monasterio de la Encarnación
•Arquitecto: Fray Alberto de la Madre de Dios.
•El edificio, de patrocinio real, fue comenzado en 1611-1616.
•El convento se dispone en torno a un claustro. La iglesia es de
planta de cruz latina, con nave única y cúpula sobre crucero.
•La fachada de la iglesia es de tipo carmelitano, orden a la que
pertenecía el arquitecto, a pesar de que las monjas a las que
estaba destinado el convento era de Agustinas. Fachada de
corte rectangular. Primer cuerpo con un pórtico de triple
arquería, segundo cuerpo con relieve de la Anunciación
comenzado por el escultor Alonso Carbonell y terminado por
Antonio de Riera, está flanqueado por dos vanos. El tercer
cuerpo un ventanal ocupa el espacio central flanqueado por dos
escudos. Un frontón triangular abierto con un óculo en su
tímpano, corona su fachada. Es de inspiración clasicista.

JUAN GÓMEZ DE MORA (1586-1648)
• Se formó con su tío, Francisco de Mora discípulo de
Herrera.
•La obra de Juan de Herrera fue la fuente en la que se
inspiró para sus edificios, ordenados y dominados por
la simetría, aunque enriquecidos con una mayor
profusión decorativa que los de sus modelos.
•Trabajó principalmente en Madrid, al servicio de la
corte. Entre sus obras se encuentran la Plaza Mayor de
Madrid, la Quinta de la Zarzuela y la Clerecía de
Salamanca.
•Aunque las líneas de sus obras son esencialmente
clasicistas, por su tendencia al enriquecimiento
decorativo sus edificios se consideran de transición al
Barroco.

Cárcel Real. Madrid

Cárcel Real 1629
•Planta que se dispone en torno a un doble
patio.
•FACHADA enmarcada en sendas torres
rematadas en chapiteles de pizarra. Dispone de
una portada con tres vanos adintelados en el
primer cuerpo, separados por columnas
adosadas; en el segundo repite el esquema del
inferior, prolongándose su calle central en un
panel rematado por frontón triangular.

Plaza Mayor. Madrid
•Su precedente está en la de Valladolid.
• La construcción de La Casa de la Panadería fue comenzada en
1590 por Diego Sillero.
•En 1617 Felipe III encargó el proyecto a Juan Gómez de Mora.
•Era el lugar de mercado y celebraciones públicas.
•Es rectangular, con un caserío porticado. Posteriores
modificaciones por los incendios que sufrió. Tras el de 1790 fue
reconstruida por Juan de Villanueva. Tiene dos edificios
diferentes: la casa de la Panadería pintada en los años 80 por

Casa de la panadería

Clerecía.
Su primer cuerpo corresponde
a Juan Gómez de Mora y
presenta líneas severas y
monumentales.
El segundo cuerpo lo edificó
Pedro Mato, con parecida
fisonomía que el primero.
El tercer cuerpo, obra de
Andrés García de Quiñones
(1750), posee mayor
movimiento, propio de la
arquitectura del siglo XVIII.
Este arquitecto realizó también
las torres que se levantan con
estructura octogonal en dos
cuerpos de altura que se
cierran con una balaustrada y
que dan paso a una pequeña
cúpula con su linterna.

Clerecía.
•La iglesia es de planta
jesuítica, con tres naves,
la central cubierta con
bóveda de cañón con
lunetos, cúpula
encamonada sobre
crucero y capilla mayor
rectangular.
•En las naves laterales se
abren capillas entre
pilastras de orden dórico
con fuste estriado.
•Sobre las capillas corre
una tribuna.

Arquitectura española
s. XVIII
Retablo de Churriguera. San Esteban Salamanca

Plaza Mayor. Salamanca

Plaza Mayor Salamanaca
•Trazada en 1728 por Churriguera
•Siguió un esquema de planta rectangular, concebida como lugar
de concentraciones y espectáculos, teniendo como precedente la
plaza Mayor de Valladolid del siglo XVI y la Plaza Mayor de
Madrid del siglo XVII.
•El alzado es de cuatro pisos, siendo el primero de soportales, y
figurando en los restantes ventanales precedidos de balconadas.
Una balaustrada coronada con flameros cierra el espacio de toda
la plaza.
• Dos edificios de especial relevancia destacan en la plaza: el
Pabellón Real y el Ayuntamiento, este obra de Alberto Díaz de
Quiñones, realizada entre 1750-55. Está decorado con
vegetación escultórica muy carnosa. Rematada por una
balaustrada que se interrumpe en su centro para dar paso a la
espadaña que alberga el reloj y el cuerpo de campanas. Este
campanario es del siglo XIX.

Casas y Novoa.
Obradoiro.1749
•Está situado delante del Pórtico
de la Gloria y fue elevada con la
intención de proteger el conjunto
de escultura románica. Por ello
está concebida con un deliberado
efecto de transparencia que
proporciona suficiente iluminación
al pórtico interior. El panel central
de la fachada está abierto con
ventanales.
•Su estructura se resuelve en dos
cuerpos más un remate sinuoso
decreciente. Al mismo tiempo
realizó la torre norte de la
fachada, copiando exactamente la
que se había realizado en el siglo
XVII.

Narciso Tomé.
Transparente. Catedral
de Toledo. 1730
•Obra del rococó español.
• Conjunto escultórico,
arquitectónico y pictórico,
situado en la girola con
intención de iluminar el
sagrario.
•Su estructura se realiza a
modo de retablo de forma
cóncava elevándose dos
cuerpos. La unión entre ambos
es el óculo, ante él aparece un
haz de rayos dorados que
simbolizan el sol eucarístico.
En torno a él se disponen una
movida corte de ángeles en
contrastadas actitudes. En el
cuerpo inferior figura una
hornacina con una escultura de
la Virgen con el Niño; mientras
que en el segundo cuerpo se
representa la Ultima Cena que
refuerza el contenido

PEDRO DE RIBERA ( 1683-1742)
•Discípulo de José Benito Churriguera. Maestro
mayor del Ayuntamiento de Madrid: puente de
Toledo, ermita de la Virgen del Puerto, la iglesia de
Montserrat, cuartel del Conde-Duque, Hospicio de
San Fernando.
•CARACTERÍSTICAS:
– baquetones en sección asimétrica y salientes que
enmarcan frecuentemente la puerta del edificio.
– En la fachada fusión de la puerta y la balconada
superior, muy decorado todo ello.
– Imitaciones en piedra, de cortinajes, borlas.
– Utilización de estípites.
– Cúpulas y chapiteles.

Iglesia de
Montserrat

Hospicio de San
Fernando
•Realizado en 1722.
•Fachada retablo de dos
cuerpos que poseen un
intenso movimiento en
todas sus formas
arquitectónicas.
Estípites, óculos y rocallas
dispuestas siguiendo un
ritmo ondulatorio y
ascensional. En la
hornacina se dispone una
figura de San Fernando .

Puente de Toledo. San Isidro y Santa
María de la Cabeza

Palacio del marqués
de Perales. Calle
Magdalena. Madrid

Palacio Real de Madrid
•Felipe V encargó a Felipe Juvara el primer proyecto, que
continuó su discípulo Sachetti quien comenzó el edificio en 1738.
Felipe V nunca llego a ver el palacio concluido ni tampoco su
sucesor Fernando V.
• Debido al desnivel del terreno, el palacio se desarrolló en altura,
dando lugar a hasta nueve niveles.
Es una construcción barroca pero que anuncia el neoclasicismo.
•Las fachadas combinan el gris del granito y el blanco de la piedra
caliza. A lo largo de ellas se dispuso un orden gigante de
columnas dóricas, que se convierten en corintias en su parte
central.
•La planta del edificio es casi cuadrada, con un único patio
central, y en las esquinas cuatro salientes que emulan los
antiguos torreones del alcázar anterior. En estos salientes se
colocaron algunas de las estatuas de reyes españoles.
•El conjunto se corona con una balaustrada, a lo largo de la cual
se disponen jarrones.

Palacio Real

Palacio Real. Campo del Moro

Palacio Real.
Escalera
monumental

11/05/17 Pilar Morollón IES San Isidro 133Imaginería barroca española

Características
•Escultura realista. Expresiva. Acciones exageradas y teatrales.
•Profundo catolicismo: pasos de Semana Santa de gremios y
cofradías.
•Misticismo: oración, suspensión del alma, unión con Dios.
• No hay prácticamente escultura civil. Desaparición de la
escultura funeraria.
•Casi todas las obras son de madera policromada: aumento de
realismo. Carnaciones y telas mate. Empleo de postizos, como
cabellos, pestañas y uñas naturales, ojos o lágrimas de pasta de
cristal, coronas de espino, espadas de plata en torno al corazón
de la Virgen etc. Imágenes de vestir, en las que se tallan sólo las
partes visibles.
•Movimiento calmado hasta el s. XVIII
•Iconografía del Concilio de Trento y nuevos santos: San Ignacio,
Santa Teresa, San Isidro.
•En los retablos se reducen los cuerpos, hasta finalizar en uno
solo gigante. La columna salomónica es el soporte más utilizado
por su movimiento y por la significación eucarística de su
decoración de vides. (s. XVIII)

ESCUELA DE VALLADOLID
GREGORIO FERNÁNDEZ (1576-1636)
•Le influye en su primera época Pompeyo Leoni, de
quien adopta la elegancia clasicista italiana.
•Convencionalismo de los ropajes que se doblan
angulosamente. Parece que los copió de la pintura
flamenca del siglo XV, pero con ellos quería
acentuar en la escultura el claroscuro propio del
tenebrismo
•Expresión religiosa: escultor ascético-místico.
•Estudia el cuerpo humano con gran atención, y
logra calidades casi reales, lo consigue por una
excelente policromía donde predominan los tonos
mates, muy naturalistas, y robustece las huellas del
dolor: la pintura crea llagas, abre heridas y extiende
regueros de sangre.
•Es un gran creador de tipos: crucificados,yacentes,
Santa Teresa, Inmaculadas.

Gregorio Fernández. Cristo Yacente.
Museo de Escultura. Valladolid
• Yacente exento, escena posterior a la del Entierro.
• Cristo está como descansando, con los ojos entreabiertos.
• El cuerpo está cubierto de heridas y llagas.
• El paño de pureza apenas cubre el cuerpo, demostrando el
amor que profesaba al desnudo, aunque el prototipo viene del
siglo XVI.

Gregorio Fernández.
Santa Teresa.
Santa Teresa en éxtasis con
la pluma y la mente
suspensas de la
comunicación divina, lo cual
repercute en el manto, que
cuelga de una forma
inverosímil,
sobrenaturalmente.

Inmaculada
La Inmaculada con
cabeza diminuta, de la
que caen largos
cabellos. Las manos
orantes y en el manto
se forman dos grandes
dobladuras a los lados.

Gregorio Fernández. Piedad.

Gregorio
Fernández.
Descendimiento.

Escuela sevillana
• Capital de ultramar, era un emporio de riqueza. Esto
explica la abundancia de encargos y al mismo tiempo,
el preciosismo de las obras .
• Maravillosa policromía.
• Temas infantiles muy frecuentes.
• Se representa más lo melancólico y lo místico que lo
trágico.
• Esculturas de la Virgen vestidas con deslumbrantes
bordados.
• Abundancia de imágenes de vestir.
• Continuidad hasta fines del siglo XVIII .
• Muchas de sus obras se exportan a América.

Escuela sevillana
JUAN MARTÍNEZ MONTAÑÉS (1568-1648).
•Una de sus primeras obras, de 1603 fue El
Cristo de la Clemencia. Desde esta fecha
hasta su muerte realízó numerosas obras,
sobre todo retablos como los de San Isidro
del Campo en Santiponce, el convento de
Santa Clara o el de3 los santos juanes
para la iglesia sevillana de San Leandro.
Esculpió algunas imágenes de vestir como
San Ignacio, San Francisco de Borja y el
Jesús de la Pasión, único paso esculpido
por él. Crea el prototipo de Jesús niño
desnudo en actitud de bendecir. A su
muerte dejó en marcha un gran taller y una
extraordinaria fama.

Martínez Montañés.
Jesús de la Clemencia.
•El Cristo de la Clemencia
(1603)
•Perfecto modelado, con un
estudio propio de un
broncista.
•La cara es muy serena y
clasicista.
•Todo9 es emoción sin
recurrir a lo trágico.
•Toda la talla emana
emoción, sin recurrir a lo
trágico. Cristo de 4 clavos.
•Gran naturalismo

Martínez Montañés.
San Bruno.Museo de
Bellas Artes de
Sevilla

Escuela Sevillana JUAN DE MESA (1583-1627)
•Autor de gran número de pasos procesionales.
•Se formó con Montañés.
•Lo peculiar es su patetismo.
• Concentra la emoción en la cabeza, tallada con
virtuosismo, pero desatiende el resto del cuerpo.
•Hizo infinidad de Cristos, algunos en agonía,
representados con un gran patetismo.
•Realizó también imágenes de vestir: El Jesús del
Gran Poder: Cristo ha sufrido tanto que se ha
convertido en un anciano.

Juan de Mesa. Jesús
del Gran Poder.
•Realizado en 1620 para la
cofradía del Traspaso, de
Sevilla, influenciado por el
Jesús de la Pasión de su
maestro, Martínez
Montañés.
•Cristo muy expresivo,
está realizado para mover
a la compasión.
•Estatua de vestir.

Escuela granadina
ALONSO CANO (1601-1667)
• Se forma en Sevilla, fue también arquitecto y pintor.
En Sevilla pasó por el taller de Montañés donde imita
los tipos y la técnica, aunque posteriormente
abandona el virtuosismo para preferir los rasgos más
sintéticos, y llega a la creación de modelos
geométricos, en base al óvalo, que utiliza para ojos,
nariz y boca.
• En 1652, vuelve a Granada. Se rodea de varios
discípulos, entre ellos Pedro de Mena. Allí talla una
pequeña Inmaculada para el Facistol del coro, que fue
situada en la sacristía: es de belleza idealizada y muy
influida por sus propias pinturas con pliegues
vaporosos muy pictóricos. Es de madera policromada.
• Crea el tipo iconográfico del Niño Nazareno,
apareciendo con la cruz a cuestas, augurio de su
pasión.

Alonso Cano.
Inmaculada del facistol.
Catedral de Granada
•En 1655 talló esta
pequeña Inmaculada
para el Facistol del
coro, que fue situada en
la sacristía: es de
belleza idealizada y
muy influida por sus
propias pinturas con
pliegues vaporosos muy
pictóricos. Es de
madera.

Alonso Cano. Virgen
de la Oliva. Lebrija y
niño nazareno

PEDRO DE MENA (1628-1688).
•Expresividad de las imágenes orientada a despertar en el espectador
los valores religiosos establecidos por la Contrarreforma, tales como
arrepentimiento, ascetismo, fe y misticismo.
•Creó tipos devocionales que permitía identificarse con sentimientos
religiosos: Ecce Homo con el Dios que sufre, la Dolorosa con el
sufrimiento de haber perdido un hijo y la Magdalena penitente con el
arrepentimiento. Pueden ser estatuas, torsos completos o bustos.
•El aspecto del rostro de las imágenes, en particular de las femeninas,
se ajusta al canon establecido por Alonso Cano: cara ovalada, nariz
fina, boca pequeña, cabello largo peinado con raya en medio y piel
pálida.
•Tratamiento realista de las imágenes, en especial de las encarnaduras.
•Hasta 1658 se encargó de la policromía; desde entonces el
policromado lo delegó en maestros especialistas que trabajaban bajo su
supervisión.
•Heredó el taller y la clientela de Alonso Cano.
•Toda la producción es de temática religiosa excepto las imágenes de
los Reyes Católicos de la catedral metropolitana de la Encarnación de
Granada y de la Santa iglesia catedral basílica de la Encarnación de
Málaga, ambas de 1676.

Pedro de Mena.
Magdalena penitente.
Museo Nacional de
Escultura de Valladolid
•Encargada por los jesuitas de Madrid. Talla realizada
en madera, estatua de pie. Utiliza el patetismo, es una
escultura llena de sencillez contrastada por la cantidad
de detalles que tiene, lo que ayuda a plasmar en ella
un gran realismo de la figura juvenil cuyo hábito de
áspera palma oculta sus formas femeninas.
•Sencillez y austeridad de policromía suave y sobria
basada en ocres, marrones y rojizos. El foco de
atención es el rostro oval de facciones grandes que
deja apreciar una mirada triste de ojos enrojecidos por
las lágrimas. Además, la boca entreabierta y seca
completan un gesto que muestra todo su
arrepentimiento. Su larga cabellera humedecida
enmarca el rostro y cae por todo su cuerpo ayudando
a resaltar aún más la sensación de pesadumbre que
trasmite la obra, ya que parecen llevar su llanto hasta
el suelo.
•Las manos están modeladas de manera sencilla y
elegante. Sujeta con fuerza en su mano izquierda un
crucifijo, que contempla con gran pena y un asombro
místico. Esta mirada parece transportarla lejos de lo
terrenal haciéndola estar más cerca de Dios. Con la
mano derecha se oprime el corazón,, lo que indica su
amor y devoción por Jesucristo.
•El movimiento está presente en la obra plasmado en
el detalle de su pie izquierdo que parece dar un paso y
avanzar.

Pedro de Mena.
Ecce Hommo

Pedro de Mena.
Dolorosa.
Academia de
Bellas Artes de
San Fernando
•Busto cortado
horizontalmente: bella
imagen de rasgos
finísimos, piel
suavísima, de aspecto
sentimental, por cuyo
rostro se deslizan
lágrimas de cristal. El
manto es alto, volado
sobre la cabeza,
formando una fina
lámina. De esta
Dolorosa hay dos tipos:
de busto, sin brazos, y
de torso completo con
brazos que se
explayan libremente o
se juntan en ademán
suplicante.

San Francisco de Asís.
Museo de Antequera
Representa al santo de
pie encapuchado, con
las manos unidas,
reproduciendo la
manera que se
encontraba el santo
cuando se abrió su
tumba.

Francisco Salzillo 1707-1783
• Hijo de Nicolás Salzillo, escultor napolitano que trabajó en
Murcia.
• Supo aunar la gracia italiana y el dramatismo hispánico.
• Su arte es delicado, plenamente rococó, inspirado en las
figuras de belenes de barro que llegaron desde Nápoles a
España en ese siglo.
•También era de un tierno naturalismo, por lo que fue muy
bien entendido por la gente.
•Creó los pasos procesionales murcianos, escenas
completas de la pasión.
•El paso La Oración en el Huerto es el primero que realiza
en 1752: el ángel adquiere una expresión sobrenatural.

Salzillo. Oración en el Huerto.

Oración en el Huerto. Detalle

Salzillo. Virgen
de las
Angustias

Salzillo.
Dolorosa.

Pintura barroca española
Sánchez Cotán. Bodegón 1602. Fine Arts Gallery San Diego (California)

Marco Histórico
•Época de Felipe III, Felipe IV y Carlos II.
•Crisis económica y política: Validos: Duque de Lerma,
Duque de Uceda, Conde-Duque de Olivares.
•Coleccionismo de los reyes: importación de obras de
arte italianas y flamencas. Estancias de Rubens en la
Corte (1603 y 1621) y de otro pintores italianos que
inauguran la pintura al fresco en España. Visita o
estancia de los pintores españoles en Italia: Ribera vive
en Nápoles, Velázquez viaja por dos veces a Italia.
•La corte y la iglesia son los principales clientes del arte.
•Como escuelas destacan la madrileña (por la corte) y
Sevilla por su monopolio con el comercio americano.

CARACTERÍSTICAS
•Predominio de la pintura religiosa católica.
•Realismo alejado de lo anecdótico y lo recargado.
•Gran interés por la luz: tenebrismo. Iluminación
intensa y artificial que proviene de un único foco.
•Perspectiva aérea.
•Pincelada suelta.
• Composiciones en torno a líneas oblicuas o
diagonales.
•Temas: RELIGIOSOS con rica iconografía: vírgenes
con niño, Inmaculada, milagros de santos. Son tratados
con religiosidad íntima o con un sentido barroco
espectacular y todos con el sentido propagandístico de
la Contrarreforma. RETRATOS, MITOLÓGICOS,
BODEGONES, PAISAJES.

JOSÉ RIBERA (1591-1652)
•Nació en Játiva, pero se traslada con su familia a Italia. A los 20 años se
encontraba en Roma, donde se le conoce como el "Spagnoletto" por su
pequeña estatura. Allí se le define como seguidor de Caravaggio. Abandonó
Roma perseguido por sus acreedores. Se instala en Nápoles bajo el
mecenazgo de los reyes, alcanzando una posición social y económica
desahogada. En 1616 pertenece ya a la Academia de San Lucas. Fue visitado
por Velázquez en 1631. Evoluciona desde el tenebrismo hasta los fondos
luminosos de tonos amarillos, azules y plateados.
•Composiciones sosegadas, serenas, con un equilibrio entre los volúmenes y
el vacío.
•Personajes muy humildes pero dotados de gran dignidad.
•Realismo temático y técnico: le preocupa el acabado perfecto y detallado.
Intenta conseguir las calidades exactas de los objetos, las deformaciones de la
piel, mediante una pincelada pastosa que modela la superficie.
•Temas religiosos de la Contrarreforma: martirios de santos, éxtasis,
Inmaculadas. Sus santos anacoretas son figuras de pobres, mendigos y
pícaros. Pero también pinta temas mitológicos, retratos, paisajes, escenas de
género con tipos populares, personajes de la Historia o naturalezas muertas.

Ribera. San Andrés.
Patrón de los
pescadores

SAN ANDRÉS. Museo del Prado
•Es un hombre como todos, un anciano con los rasgos
propios de la vejez y su miseria, que le ha encanecido el
cabello y arrugado la piel. El físico real cobra gran
importancia, se subrayan los aspectos negativos: los
santos son como todos los humanos: todos podemos
ser santos sublimando la miseria que nos rodea.
•La pintura tenebrista cumple así muchas funciones:
permite que el fiel se identifique con estas figuras
modélicas y ejemplares y que subordine los problemas
terrenos a cuestiones de más alto rango espiritual. Al
ser colocados en los altares el modelo de vida que
proponían era el del sacrificio y las penalidades

San Sebastián
•Tras ser martirizado por
una lluvia de saetas, San
Sebastián fue atendido y
curado por las santas
mujeres.
•Los personajes se
recortan ante un fondo
neutro que impide
contemplar cualquier
referencia paisajística. El
Santo está tumbado, con el
brazo derecho aún atado al
árbol donde sufrió el
martirio, brazo al que dirige
su mirada. Las santas
mujeres le quitan las
saetas y proceden a
aplicarle el sanador
ungüento que llevan en el
tarro. En la parte superior
izquierda contemplamos a
dos angelitos que portan
una corona y una palma.
•Las figuras muestran un
gran escorzo,
especialmente el santo,
adaptándose al reducido
marco que les proporciona
la tela. La luz crea un r
contraste tenebrista que
dota de mayor tensión y
emotividad al conjunto.
•Resalta el naturalismo de
los gestos y las
expresiones como los
detalles de las ropas o las

Ribera. Arquímedes o
Demócrito
Museo del Prado
•Es un retrato de un científico,
pero representado como una
persona común, casi un
mendigo y no un matemático.
•Su sonrisa nos permite ver su
rostro arrugado y sus dientes
sucios, mientras que si
observamos sus manos, una
con un compás y la otra
sosteniendo un libro, notamos
los dedos huesudos y la tierra
bajo sus uñas. En el libro que
sostiene podemos apreciar
diversos diagramas
matemáticos y el lomo del libro a
la izquierda está firmado por el
artista como “Jusepe de Ribera,
español.

Martirio de
San Felipe.
Museo del
Prado

Martirio de San Felipe
•Pudo ser pintado para el rey Felipe IV.
•San Felipe fue crucificado cuando predicaba en Asia Menor,
siendo sus manos amarradas al travesaño de la cruz.
•La composición está dominada por diagonales y violentos
escorzos.
•La figura del santo ha sido realizada con todo lujo de detalles,
su rostro, muy realista, debe corresponder al de alguna
persona cercana al maestro.
•Tampoco están exentas de belleza y realismo las figuras de
los sayones, destacando el esfuerzo físico que realizan al izar
el travesaño de la cruz.
• La escena se desarrolla al aire libre, las figuras reciben la luz
del sol, que en el caso de las mujeres de la zona izquierda
desdibuja los contornos, dando sensación de atmósfera.

Patizambo. 1642. Museo Louvre
Representa un joven mendigo con un pie
deforme que sonríe al espectador.
De un modo realista Muestra en una
mano un papel que era la autorización
necesaria en el reino de Nápoles para
ser un pordiosero.
DA MIHI ELIMO/SINAM PROPTER
AMOREM DEI", "Déme una limosna, por
amor de Dios".
El mendigo se mantiene en pie frente a
un cielo claro y luminoso, llenando el
lienzo con una luz casi natural.
La figura en su conjunto se representa de
forma casi monumental, desde un punto
de vista muy bajo, propio de los teatros
reales, lo que dota a la figura del
mendigo de gran dignidad.

Sueño de Jacob Museo del Prado

Sueño de Jacob
•Jacob vio en su sueño una escalera celestial por
la que subían y bajaban ángeles.
•Casi no puede observarse la escalera celestial,
insinuada por la luz fuerte y clara que ilumina el
rostro de Jacob. Aquí radicaría la originalidad de
la escena.
•El escorzo de la figura y las diagonales que
organizan la composición demuestran el
acentuado barroquismo del pintor.
•Pero ahora abandona claramente su tenebrismo
inicial para darnos una visión muy luminosa, sin
apenas producir contrastes de luz y sombra, en
la que la influencia veneciana es significativa.

Inmaculada convento Agustinas.
Salamanca
•Encargada por Virrey de Nápoles.
•Influencia del academicismo de Carraci al que
une la espiritualidad propia del barroco
español.
•, La Virgen aparece envuelta en un amplio
manto azul, vistiendo túnica blanca y pisando la
media luna como símbolo de dominio sobre el
infiel. Un grupo de angelitos forma un
semicírculo en la zona baja y porta los atributos
marianos: la palma, la rama de olivo, rosas,
lirios o el espejo.
• En la zona baja de la composición
contemplamos dos ángeles que dirigen su
tierna mirada hacia María mientras que en la
zona superior se advierte la escorzada figura
de Dios rodeado de ángeles y acompañado por
la paloma del Espíritu Santo.
• En la composición contrasta el dinamismo de
todas las figuras respecto a la Virgen, cuyas
manos se cruzan en el pecho y su mirada se
eleva hacia Dios .
•Ribera ha abandonado cualquier referencia al
tenebrismo e inicia una etapa caracterizada por
el luminismo, dentro del más absoluto barroco
colorista.

Magdalena
Museo del
Prado
• Representa una santa
arrepentida y nos recuerda que
las sociedades católicas del
siglo XVII viven fascinadas por
las vidas de estos personajes
en cuyas representaciones se
conjugan la oración, la
penitencia, la soledad y la vida
en el campo.
• El tema de la Magdalena ofrece
también la posibilidad de pintar
una mujer hermosa que enseña
algunas partes de la anatomía
femenina que se consideraban
tabú, como los pies o el pecho,
pero que en ella está permitido
mostrar por cuanto es carne
mortificada que expresa el
arrepentimiento por el pasado
desordenado.

FRANCISCO DE ZURBARÁN (1598-1664)
•Nacido en Fuente de Cantos (Badajoz), su padre fue un modesto comerciante
de origen vasco. En 1614 llega a Sevilla para comenzar su aprendizaje.
Regresa en 1617 a Extremadura, instalándose en Llerena donde se casó por
primera vez (se casó 3 veces). Allí le llegan los encargos desde Sevilla y
realiza San Hugo en el Refectorio, 21 cuadros para el convento de los
dominicos de San Pablo de Sevilla.
•A partir de 1630 vive vive en Sevilla, afianzándose su tenebrismo con una
luz muy blanca en los hábitos, vigor monumental y profundización en la
captación psicológica de los retratados. Realiza numerosas obras para los
mercedarios (San Pedro Nolasco y numerosos retratos de monjes).
•En 1634 es llamado a la Corte para participar en la decoración del Salón de
los Reinos del Palacio del Buen Retiro, para el que pinta 10 lienzos con los
Trabajos de Hércules que simbolizan las hazañas de la monarquía hispánica,
únicos cuadros mitológicos, tratados con un estilo académico y su único
cuadro histórico La Defensa de Cádiz.
•En 1635 vuelve a Sevilla: le encargan los ciclos monásticos para la Cartuja de
Jerez de la Frontera y para los Jerónimos de Guadalupe; y realiza numerosos
cuadros de Santas Mártires.
•En 1645 comienza el declive de su obra: su estilo estático y tenebrista ha
quedado anticuado, y la competencia con la pintura dulce e idealizada de
Murillo hace que casi no tenga encargos. Solamente le queda el mercado
americano. A su muerte tenía empeñados sus enseres personales. Hacia el
final de su vida intentará imitar a Velázquez y a Murillo: es una pintura más
dulce y abierta, pero no conseguirá el éxito

Características
• Figuras monumentales.
• Defectos de perspectiva.
• Pintor de monjes y frailes. Santas que representa como
jóvenes de la alta sociedad sevillana; la Virgen niña, Trabajos
de Hércules, La defensa de Cádiz y bodegones.
• Tenebrista: la luz procede de las figuras mismas, emana de los
cuerpos y objetos no de un foco real.
• El pintor se concentra en rostros (captación psicológica) y
manos: a veces las figuras no aparecen completas e
intencionadamente secciona los bordes, así parece que el
cuadro se continua por los lados.
• Blancos muy luminosos contrastados con los fondos oscuros.
Intensos claroscuros.
• Naturalismo: los objetos secundarios son tan importantes como
los principales: telas blancas, terciopelos rojos, bordados,
piezas de orfebrería y cerámica, flores y frutas.
• Bodegones muy ordenados.

San Hugo de Grenoble. Museo Bellas Artes Sevilla

San Hugo de Grenoble
• La escena refleja un milagro acontecido a San Bruno, fundador
de los cartujos, y a los seis primeros monjes de la Orden, quienes
comían gracias a la generosidad de San Hugo, obispo de
Grenoble. Un domingo les envió carne, alimento al que no
estaban acostumbrados, lo que provocó una discusión sobre la
conveniencia de practicar la abstinencia. Mientras discutían
quedaron sumidos en un profundo sueño que duró toda la
Cuaresma. El miércoles Santo, San Hugo, que había estado
ausente, fue a verlos y los sorprendió despertándose,
comprobando que no tenían noción del tiempo transcurrido.
Entonces miró a los platos y vio que la carne se convertía en
ceniza, interpretándolo como aprobación divina de la abstinencia.
• Zurbarán realiza un muestrario de sus famosos hábitos blancos,
color en el cual se dice que llega a manejar hasta 100 tonos
diferentes. Aparecen en la imagen las famosas cerámicas
blancas y azules de Talavera, con los escudos del obispo y la
Orden.

Aparición de San Pedro a San Pedro Nolasco

Santa Margarita. National
Galery Londres
•Retratos ideales de santas y vírgenes
mártires.
•Personal sentido del color. Los
vestidos de estas mujeres suelen ser
dignos de princesas y con
extravagantes combinaciones de color
que Zurbarán hace aparecer
armoniosas.
•En Santa Margarita, su vestido y su
tocado son los de una pastora
idealizada, con unas albardas en el
brazo bordadas en estilo del arte
popular de la época. Se cubre el
cabello con un sombrero de paja. Sus
pies están calzados con pobres
sandalias de cuero y asoman por
debajo de la falda. Y a pesar del
humilde origen de su vestido su
presencia aparece majestuosa y llena
de dignidad, con un librito de
oraciones en la mano y el cayado en
la otra. A sus pies el dragón, símbolo
el pecado.

Santa Casilda.
Museo Thyssen
•Este lienzo con Santa Casilda, que pudo
pertenecer a algún convento sevillano,
fue parte del botín español que el
mariscal Soult se llevó a Francia.
•Santa Casilda, hija de un rey árabe, fue
martirizada en 1087. Abandonó la
religión musulmana, se convirtió al
cristianismo y socorrió a los prisioneros
cristianos de su padre, a quienes llevaba
alimentos. Sorprendida, se obró el
milagro transformándose los víveres que
llevaba escondidos entre sus ropas en
rosas.
•Vestida con una gran riqueza, por las
joyas que porta, y por la suntuosidad de
su traje, representados con pleno
detallismo y exactitud, la santa se
presenta modelada con una luz fuerte
que subraya su monumentalidad y
resalta el intenso colorido de sus ropas
contra un difuminado y discreto fondo.

Zurbarán. Virgen Niña.
Museo Metropolitano
Nueva York
•Zurbarán pintó en la última fase de
su obra una serie de lienzos
dedicados a María, encontramos
esta Virgen Niña en éxtasis.
• La niña aparece rezando, tras
haber interrumpido su labor
femenina, con el rostro absorto y
enmarcado por una aureola de
angelitos. A sus pies están
esparcidas diversas florecillas de
colores, que además de adornar la
imagen, simbolizan las virtudes de la
futura madre: flores azules que
indican fidelidad, flores amarillas que
significan la inteligencia y la
madurez, rosas para el amor,
azucenas blancas por su virginidad.
• Estos objetos que la rodean son
detalles de naturalezas muertas, que
de ser pintadas aisladamente
podrían formar bodegones de gran
calidad.
• El lienzo aparece enmarcado en un
cortinaje rojo, que evoca la cortina
del templo, constituyendo una
especie de altar campesino.

Zurbarán. Inmaculada. Museo
de Arte Nacional de Cataluña
•Este tema fue tratado por el pintor en diversas
ocasiones, utilizaba el color rosado para la
túnica de la Virgen, hasta que se decidió que
tenía que ser azul.
•La iluminación del cuadro proviene de dos
focos. Uno está situado tras la figura central y
refuerza su majestuosa presencia. El otro se
sitúa delante, en el ángulo superior izquierdo y
sugiere el camino a seguir con la mirada.
•El cuadro forma parte de las llamadas series
verticales del artista. La obra es simétrica. La
Virgen rompe el perfecto equilibrio mirando la
luz.
•Se la representa a como una muchachita
sumida en éxtasis. y aparece de pie sobre
cinco querubines que ocupan media luna. Una
multitud de estrellas y ángeles se confunden
entre las nubes en la aureola que rodea su
cabeza.
•Los ángeles de los laterales portan lirios y
rosas que simbolizan atributos de pureza y
tablas con inscripciones de Cantar de los
Cantares.
•En los laterales inferiores aparecen dos
colegiales donantes y símbolos que se
atribuyen al dogma mariano: el espejo sin
mancha, la escalera de Jacob, la puerta del
cielo y la luz de la mañana.

Cristo en la cruz

Zurbarán. Bodegón

Bodegón Museo del Prado
Predilección por las cosas pequeñas y sencillas.
COMPOSICIÓN muy simple, las piezas se alinean con claridad sobre un plano, individualizadas, autónomas unas de
las otras.
LAS TEXTURAS pemiten al pintor experimentar los diferentes modos de responder cada una de las piezas a la
iluminación.
Colorido pobre, en consonancia con la austeridad general, se reduce a varias tonalidades parduscas, pero muy
vibrantes, a causa de la iluminación.
Luz tenebrista, intensa, contrastada y dura, hace resaltar vivamente los objetos sobre un fondo oscuro.

Bodegón
Predilección por las cosas pequeñas y sencillas.
COMPOSICIÓN muy simple, las piezas se alinean
con claridad sobre un plano, individualizadas,
autónomas unas de las otras.
LAS TEXTURAS pemiten al pintor experimentar los
diferentes modos de responder cada una de las piezas
a la iluminación.
Colorido pobre, en consonancia con la austeridad
general, se reduce a varias tonalidades parduscas, pero
muy vibrantes, a causa de la iluminación.
Luz tenebrista, intensa, contrastada y dura, hace
resaltar vivamente los objetos sobre un fondo oscuro.

Defensa de Cádiz Museo del Prado

Defensa de Cádiz
•TEMA: recoge un episodio de la historia: Las tropas inglesas, se
habían hecho fuertes en Cádiz en 1625. El gobernador dictó las
órdenes para la defensa de la ciudad a pesar de estar enfermo de
gota. Las escasas tropas de la ciudad lograron resistir hasta la
llegada de los refuerzos. Se consiguió retirar el cerco, habiendo
perdido previamente unos mil hombres.
•En primer plano vemos al gobernador sentado en una silla a
causa de su enfermedad, dictando las órdenes necesarias a sus
capitanes. En el fondo, se aprecian las tropas españolas en tierra
y el mar lleno de naves inglesas.
•Consigue dar dosis de credibilidad a los personajes de primer
plano al otorgarles realismo en sus gestos y un buen lujo de
detalles a sus vestimentas. Pero en el fondo del cuadro muestra
sus limitaciones, ya que apenas sabe dar sensación de
profundidad y perspectiva, por lo que la escena se asemeja a una
obra de teatro, con los personajes dispuestos en las tablas
recortándose sobre la tramoya.

Hércules Museo del Prado

Bartolomé Esteban Murillo 1618-1682
•Nacido en Sevilla en una familia numerosa, quedó
huérfano con 9 meses. Aprendió en el taller de un pintor
mediocre.
•Muy pronto logró hacerse con una amplia clientela que
le permite llevar una holgada posición económica.
Hombre modesto, de carácter afable y bondadoso, se
casó en 1648, pero tuvo dificultades emocionales
debido a la muerte de su esposa.
•Su fama trascendió las fronteras españolas y era
conocido en Europa.
•Funda una academia de dibujo y pintura donde se
forman los principales autores sevillanos.
•Muere a consecuencia de un accidente sufrido en el
andamio en que pinta el retablo de los Capuchinos de
Cádiz.

Características
•Durante los comienzos de su vida artística está ligado al
tenebrismo influenciado por Ribera y Zurbarán.
•Temática religiosa (pintor de conventos), y escenas de género:
pícaros, mendigos, enfermos de los barrios bajos.
•Dinámico e impetuoso.
•Colorido muy luminoso.
•Pintura dulce, amable, sentimental, delicada. Se aleja del
realismo y representa solamente la belleza que tiende más a lo
amable y gracioso que a la idealización clásica: naturalismo
idealizado, como forma de evasión de un realidad circundante
decadente y fea.
•Precisión de calidades y texturas de las naturalezas muertas.
•Sencillez y fervor religiosos.
•Apoteosis celestiales: agitación de ángeles.
•Perspectiva aérea.
•Vírgenes, niños, Sagradas Familias, Inmaculadas.

Autorretrato 1670

Murillo. Joven
espulgándose. Museo de
Louvre
•Aunque su protagonista es un niños
mendigos, harapiento, su figura transmite
optimismo.
•Acompaña la imagen un cántaro, un cesto
con fruta y en el suelo, restos de gambas
que forman casi un bodegón. Gracias a
ellos, demuestra su gran capacidad para
pintar diferenciadamente materiales y
texturas.
•La escena está iluminada con un fuerte
claroscuro. La luz proviene de la ventana
que queda a la izquierda e incide
plenamente en el cuerpo sentado del chico,
dejando en penumbra el resto de la
estancia.
•La composición, está dominada por ejes
diagonales.
•En la gama cromática prevalecen los
colores amarillentos y castaños desde los
más claros hasta los oscuros, casi negros.

Murillo. Pillos
comiendo fruta
Alte Pinakothek Munich
•Los protagonistas son niños harapientos
que ocupan el primer plano, sentados y
comiendo fruta. El de la derecha, sentado
sobre una madera está situado en una
posición un poco superior tiene la mejilla
hinchada por la cantidad de melón puesto
dentro de su boca, tiene girada la cabeza
hacia su compañero, el cual con la mano
derecha en alto está comiendo uvas
directamente del racimo. Las ropas son
harapos rotos, los pies descalzos y sucios
están próximos al espectador y en la parte
izquierda del cuadro, se encuentra una cesta
llena de uvas que forma por si sola un
bodegón. Toda la escena mantiene una
iluminación de claroscuro, proveniente de la
parte izquierda. También la composición es
diagonal. El colorido empleado es en tonos
ocres y verdosos, entre el blanco y el negro,
resaltando el amarillo del melón

Murillo. Virgen del
Rosario Museo del
Prado
•Tema María sentada con el niño en
brazos, sosteniendo el rosario con la
mano derecha.
•Ambas figuras están recortadas
sobre un fondo neutro para dar un
mayor efecto volumétrico, acentuado
al llevar las piernas a un lateral del
cuadro. A pesar de estar juntos
apenas se relacionan entre sí, ya que
miran hacia el espectador
•Los tonos son bastante oscuros
aunque intenta alegrar la gama
cromática con el rojo y el azul,
símbolos de martirio y eternidad
respectivamente.
• La pincelada es suelta y anticipa el
efecto vaporoso que le convertirá en
el primer pincel de Sevilla.

Adoración de los Reyes Museo del Prado

Inmaculada. Museo del
Prado
•Representa a la Virgen joven
morena, bella y dulce, flotando sobre
nubes, en un gran rompimiento de
gloria. Está vestida con túnica blanca
y manto azul, con las manos juntas
sobre el pecho en actitud de plegaria
y la cabeza ladeada mirando al cielo.
•Composición dinámica. En el
centro está la Virgen, de canon
estilizado y rodeándola, en
movimiento curvo, los angelitos.
Destacan las líneas ondulantes en los
abultados pliegues del manto y las
diagonales. Es un estilo dinámico y
teatral.
•Luz: Sobre el fondo dorado, se
recorta la figura de la Virgen,
envuelta en luz para indicar su
carácter celeste. Su rostro y vestido
blanco irradian luz.
•Color: Predominan los tonos
cálidos, dorados, contrastando con
los fríos todos muy matizados. Las
pinceladas son sueltas, espontáneas,
vaporosas, fluidas. Estilo:
contrastes de luces y sombras;

Murillo. Buen Pastor
Mueso del Prado
•El Niño Jesús se sitúa en un
paisaje con una referencia
arquitectónica al fondo,
sentado sobre algunos restos
clasicistas y dirigiendo su
mirada al espectador. En la
mano derecha lleva la vara
del pastor y con la izquierda
acaricia al cordero.
• La composición se
estructura con una pirámide,
mientras que la pierna y la
vara se ubican en diagonal
para reforzar el ritmo del
conjunto.
• La atmósfera creada
gracias a la iluminación y el
colorido recuerdan a la
escuela veneciana,
aportando el maestro
sevillano una idealización de
la figura.

ALONSO CANO (1601-1667)
• Escultor y pintor y arquitecto.
• Nació y murió en Granada. Se formó en Sevilla, fue
discípulo de Velázquez.
• Maestro en 1626.
• En 1638 marcha a Madrid donde triunfa como arquitecto
de retablos y pintor.
• En 1644 su mujer aparece asesinada y se sospecha del
artista, por lo cual deja Madrid para ir a Valencia y más
tarde a Granada, en cuya Catedral había obtenido un
cargo de racionero del que toma posesión en 1652. Es
en esta época cuando va a realizar sus obras más
importantes. Su vida en Granada va a ser también
bastante agitada, parece que no se ordenó sacerdote y
fue expulsado del coro en 1656.

Inmaculada. Alonso Cano
• Sus obras fueron una
mezcla entre el
clasicismo italiano y el
barroco español.
• Fue un gran dibujante
• Evolucionó desde el
tenebrismo a un estilo
colorista.

Juan Valdés Leal
•Contemporáneo y
amigo.
Representante de la
pintura literaria y
teatral “de
jeroglífico”.
•Le interesa la
realidad concreta
que atemorice o de
repulsión. Su
pintura es efectista
y teatral.
•Tenebrista con
dibujo contundente,
un colorido fuerte y
poco matizado y
unos volúmenes
monumentales.11/05/17 Pilar Morollón IES San Isidro 204

Antonio Pereda (1611-1678). Sueño de un caballero.
Academia San Fernando Madrid
•Centrado en la pintura religiosa para iglesias y conventos madrileños, Pintó vanitas en
las que se aludía a la fugacidad de los placeres terrenales, un ángel corre junto al
caballero con una cinta en la que, a modo de charada, se dibujan un sol atravesado por
un arco y flecha con la inscripción: AETERNE PUNGIT, CITO VOLAT ET OCCIDIT,

Diego De Silva
Velázquez.
1599-1660
•Nacido en Sevilla de
familia se hidalgos.
• Inicia su aprendizaje
con Francisco de
Herrera el Viejo, los 12
años entra en el taller
de Francisco Pacheco,
donde permaneció 5
años y, tras el
correspondiente
examen, es maestro
en 1617. Se casó con
la hija de Pacheco.

Primera etapa 1617-1622
•Interés por el naturalismo (copia del natural) que le
lleva a la pintura de género, en la que podía
experimentar con figuras vivas (un muchacho le servía
de modelo, además de los miembros de su familia).
•Preocupación es la luz, en estos momentos es
tenebristas, siguiendo la estética de la época; y la
reproducción exacta de calidades y texturas de
vasijas, recipientes y alimentos.
•Vieja friendo huevos.
•Aguador
•Jesús en casa de Marta y María
•Adoración de los Magos

Aguador
de Sevilla

Aguador de Sevilla. Apsley house. Londres
•Aparecen dos figuras en primer plano, un aguador y
un niño, y al fondo un hombre bebiendo en un jarro,
por lo que se ha sugerido que podría representar las
tres edades del hombre.
•Realismo, como demuestra en la mancha de agua
que aparece en el cántaro de primer plano; la copa de
cristal; las dos figuras principales que se recortan
sobre un fondo neutro, interesándose el pintor por los
efectos de luz y sombra.
•El colorido que utiliza sigue una gama oscura de
colores terrosos, ocres y marrones. La influencia
tenebrista de Caravaggio se hace notar, posiblemente
por grabados y copias que llegaban a Sevilla
procedentes de Italia.

Vieja friendo huevos Galería Nacional de Escocia

Vieja friendo huevos 1618
•En primer plano vemos a una anciana cocinando unos
huevos en un hornillo de barro cocido, junto a un muchacho
que porta un melón de invierno y una frasca de vino.
•Ambas figuras se recortan sobre un fondo neutro, empleado
para destacar aun más los contrastes entre la luz y la
sombra, una de las características que le sitúan en la órbita
del naturalismo tenebrista.
•En la zona de la derecha contemplamos un bodegón,
formado por varios elementos metálicos, vasijas de
cerámica y una cebolla colorada. Para que el espectador
pueda contemplar con más facilidad estos elementos, el
maestro nos levanta el plano de la mesa y el hornillo de
barro, empleando de esta manera una doble perspectiva .
•Se piensa que la anciana podría ser el retrato de su suegra,
y el muchacho sería un ayudante de su taller. Minuciosidad
de la pincelada, a base de pequeños toques.

Velázquez. Adoración de los
Magos. Museo del Prado
•Un foco de luz ilumina desde el
lado izquierdo el cuerpo del niño
Jesús oscureciendo el resto del
cuadro, tanto que el fondo se
aprecia con dificultad.
• Los representados en el cuadro
son miembros de su familia. La
Virgen es su esposa el Niño
Jesús sería la propia hija del
artista y el Rey Mago que
aparece con barba sería su
suegro y maestro, Francisco
Pacheco. Gaspar sería el propio
Velázquez.
•Calidad de los ropajes, los
plegados y el brillo de los objetos
metálicos y de cristal que portan
los Magos para ofrecer al niño.

Cristo en casa de Marta y María National Galery Londres
•Bodegón con figuras practicado por el joven Velázquez. Escena religiosa, tratada de
un modo muy naturalista.
•En el recuadro representa la escena principal de Jesús dialogando con las hermanas,
que ilustra el evangelio de San Lucas (10, 38-42) utilizando la duplicidad espacial y la
composición invertida
•Existen dudas al interpretar el papel de las mujeres del primer plano, que podrían
entenderse como parte del relato evangélico, o como elementos de enlace entre el
episodio sagrado y la lección moral de valor universal que de él se desprende.

Segunda etapa (1623-1629)
•En 1624 es llamado por el Conde-Duque de Olivares
para que pinte un retrato de Felipe IV: Inmediatamente
fue nombrado pintor real.
•Realiza los primeros retratos de la Corte: INFANTE
DON CARLOS, VALIDO GASPAR DE GUZMÁN, en los
que aún quedan ideas tenebristas. En la corte conoce a
Rubens (1628) con quien visita las colecciones reales.
Pinta su primer cuadro mitológico EL TRIUNFO DE
BACO: en esta obra aún se observan detalles
arcaizantes: interés naturalista por la representación de
objetos de uso cotidiano, tipos humanos populares que
acercan los dioses al plano humano, escena mitológica
tratada como escena de género.

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